Музыка xviii века: какой она была? на пути к классицизму

Музыкальная культура классицизма: эстетические вопросы, венские музыкальные классики, основные жанры

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Всё относительно, и любые вчерашние шлягеры, выдержавшие проверку временем, – будь то шедевры Баха, Моцарта, Шопена, Прокофьева или, допустим, The Beatles – можно отнести к классическим произведениям.

Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность.

К чему всё это? К тому, что важно разделять широкое понятие классической музыки и классицизм, как направление в музыкальном искусстве.

Обратите внимание

Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское.

В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.

Эстетические установки классицизма

В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией.

В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.

Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Классицизм в музыке – венские классики

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений.

Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики.

Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков.

Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум.

Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы.

Простота и непринуждённость высказывания композиторов-классиков могла бы показаться современному уху банальной (в некоторых случаях, разумеется), если бы музыка их не была столь гениальной.

Важно

Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы.

В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Жанры музыкального классицизма

Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма (4-частный цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.

В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор – современные «навороты» наслаиваются на неё, как на основу.

Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях.

Сонатная форма

Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна и Моцарта, а Бетховен довел её до совершенства и даже начал ломать строгие каноны жанра.

Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии.

Сонатная форма включает в себя 3 главных раздела:

  1. первый раздел – экспозиция (проведение основных тем),
  2. второй – разработка (развитие и сопоставление тем)
  3. и третий – реприза (видоизменённое повторение экспозиции, в котором обычно происходит тональное сближение ранее противопоставляемых друг другу тем).

Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.

Сонатно-симфонический цикл

По строению, логике следования частей, симфонии и сонаты очень похожи, отсюда общее название их цельной музыкальной формы – сонатно-симфонический цикл.

Классическая симфония почти всегда состоит из 4-х частей:

  • I – быстрая активная часть в традиционной для неё форме сонатного allegro;
  • II – медленная часть (форма её, как правило, строго не регламентирована – здесь возможны и вариации, и трёхчастная сложная или простая формы, и рондо-сонаты, и медленная сонатная форма);
  • III – менуэт (иногда скерцо), так называемая жанровая часть – по форме почти всегда сложная трёхчастная;
  • IV – финальная и итоговая быстрая часть, для которой тоже нередко выбирали сонатную форму, иногда форму рондо или рондо-сонаты.

Концерт

Название концерта, как жанра, произошло от латинского слова concertare – «состязание». Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Инструментальный концерт, созданный в эпоху Возрождения и получивший просто грандиозное развитие в музыкальной культуре барокко, в творчестве венских классиков обрёл сонатно-симфоническую форму.

Струнный квартет

Состав струнного квартета обычно включает две скрипки, альт и виолончель. Форма квартета, аналогичная сонатно-симфоническому циклу, определилась уже у Гайдна. Моцарт и Бетховен также внесли свой огромный вклад и проложили пути для дальнейшего развития этого жанра.

Музыкальная культура классицизма стала своеобразной «колыбелью» для струнного квартета, в последующие времена и до настоящего времени композиторы не перестают писать всё новые и новые произведения в жанре концерта – настолько этот вид произведений оказался востребованным.

Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).

Автор – Сью Мак

Источник: https://music-education.ru/muzykalnaya-kultura-klassitsizma-e-steticheskie-voprosy-venskie-muzy-kal-ny-e-klassiki-osnovny-e-zhanry/

Музыка эпохи Классицизма ( обзорная лекция ). Классицизм – стиль и направление в искусстве XVII — начала XIX вв. Слово это произошло от латинского classicus. — презентация

1 Музыка эпохи Классицизма ( обзорная лекция )<\p>

2 Классицизм – стиль и направление в искусстве XVII — начала XIX вв. Слово это произошло от латинского classicus — образцовый. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что человеческая натура гармонична. Свой идеал классики видели в античном искусстве, которое считали высшей формой совершенства.<\p>

3 В восемнадцатом столетии начинается новый этап развития общественного сознания – Эпоха Просвещения. Разрушается старый общественный порядок; первостепенное значение приобретают идеи уважения человеческого достоинства, свободы и счастья; личность обретает независимость и зрелость, использует свой разум и критическое мышление. На смену идеалам эпохи Барокко с ее пышностью, высокопарностью и торжественностью приходит новый стиль жизни, основанный на естественности и простоте. Наступает время идеалистических взглядов Жан-Жака Руссо, призывающего вернуться к природе, к естественной добродетели и свободе. Наряду с природой идеализируется Античность, поскольку считалось, что именно во времена Античности людям удалось воплотить все человеческие устремления. Античное искусство получает название классического, его признают образцовым, наиболее правдивым, совершенным, гармоничным и, в отличие от искусства эпохи Барокко, считают простым и понятным. В центре внимания, наряду с другими важными аспектами, находятся образование, положение простого народа в общественном устройстве, гениальность как свойство человека. Жан-Жак Руссо<\p>

4 Дени Дидро Разум царит и в искусстве. Желая подчеркнуть высокое назначение искусства, его общественную и гражданскую роль, французский философ-просветитель Дени Дидро писал: «Каждое произведение ваяния или живописи должно выражать собой какое-либо великое правило жизни, должно поучать». Театр одновременно был учебником жизни, и самой жизнью. Кроме того, в театре действие в высшей степени упорядочено, размеренно; оно разделено на акты и сцены, те, в свою очередь, расчленена на отдельные реплики персонажей, создавая столь дорогой 18 веку идеал искусства, где всё находится на своём месте и подчинено логическим законам.<\p>

5 Музыка классицизма чрезвычайно театральна, она как будто копирует искусство театра, подражает ему. Разделение классической сонаты и симфонии на крупные разделы — части, в каждой из которых происходит много музыкальных «событий», подобно делению спектакля на действия и сцены. В музыке классического века часто подразумевается сюжет, некое действие, которое развёртывается перед слушателями так же, как действие театральное развёртывается перед зрителями. Слушателю только остаётся включить воображение и узнать в «музыкальной одежде» персонажей классической комедии или трагедии. Искусство театра помогает объяснить и большие перемены в исполнении музыки, которые совершились в 18 веке. Раньше, главным местом, где звучала музыка, был храм: в нём человек находился внизу, в огромном пространстве, где музыка как будто помогала ему взглянуть ввысь и посвятить свои мысли Богу. Теперь, в 18 веке, музыка звучит в аристократическом салоне, в бальном зале дворянской усадьбы или на городской площади. Слушатель века Просвещения как будто обращается с музыкой «на ты» и не испытывает больше восторг и робость, которые она ему внушала, когда она звучала в храме. В музыке уже нет мощного, торжественного звука органа, уменьшилась роль хора. Музыка классического стиля звучит легко, в ней гораздо меньше звуков, как будто она «меньше весит», чем грузная, многослойная музыка прошлого. Звучание органа и хора сменилось звучанием симфонического оркестра; возвышенные арии уступили место музыке лёгкой, ритмичной и танцевальной.<\p>

6 Новый век выдвинул новый идеал — им стал Фигаро, «севильский цирюльник». Этот парикмахер, хитрец и пройдоха, всегда знал, как одурачить господина и добиться своего, и не позволял никому, даже вельможному графу, унижать своё достоинство. Но не только деятель и практик Фигаро занимает мыслящую публику 18 века; на роль идеала претендует и доктор Фауст- учёный, философ, который в поисках истины продал душу дьяволу — Мефистофелю. Фауст понял, что нет ничего прекраснее, чем труд, результаты которого останутся будущим поколениям, и нет такой жертвы, которую нельзя было бы принести ради общего блага. «Лишь тот достоин жизни и свободы, кто каждый день идёт за них на бой!» — эти слова Фауста повторили бы многие его современники. Фауст и Фигаро прекрасно соответствовали времени, поскольку в этих персонажах люди видели символ неразрывности мысли и действия: чтобы добиться успеха, оба они старались понять, зачем действовать, какие цели ставить перед собой, и, наконец, составив продуманный план, приступали к исполнению. Людям эпохи классицизма хотелось узнать, по каким законам живёт природа, общество, каждый человек, и, вооружившись знанием, сделать жизнь достойной и счастливой. Благодаря беспредельной вере в возможности человеческого разума и силу знания 18 век стали называть веком Разума или веком Просвещения.<\p>

7 Расцвет Классицизма наступает в 80-х годах восемнадцатого столетия. В 1781 году Й. Гайдн создает несколько новаторских произведений, среди которых его Струнный Квартет ор. 33; проходит премьера оперы В.А. Моцарта «Похищение из сераля»; выходят в свет драма Ф. Шиллера «Разбойники» и «Критика чистого разума» И. Канта. Ярчайшими представителями классического периода являются композиторы Венской Классической Школы Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Их искусство восхищает совершенством композиторской техники, гуманистической направленностью творчества и стремлением, особенно ощутимым в музыке В. А. Моцарта, отобразить средствами музыки совершенную красоту. Само понятие Венской Классической Школы возникло вскоре после смерти Л. Бетховена. Классическое искусство отличает тонкое равновесие между чувствами и рассудком, формой и содержанием. Музыка Возрождения отражала дух и дыхание своей эпохи; в эпоху Барокко предметом отображения в музыке стали состояния человека; музыка эпохи Классицизма воспевает действия и поступки человека, испытываемые им эмоции и чувства, внимательный и целостный человеческий разум.<\p>

Читайте также:  Ради кого никита сергеевич хрущев задним числом ввел смертную казнь в ссср?

8 Йозеф Гайдн (1732–1809) Австрийский композитор, один из величайших классиков музыкального искусства. Вспоминая о своем детстве, Гайдн писал в 1776: «Мой отец… был горячим любителем музыки и играл на арфе, совершенно не зная нот. Пятилетним ребенком я абсолютно точно мог спеть его простые мелодии, и это побудило отца поручить меня заботам нашего родственника, ректора школы в Хайнбурге, дабы я изучил первоосновы музыки и другие необходимые для юношества науки… Когда мне исполнилось семь лет, ныне покойный капельмейстер фон Ройтер, проезжая через Хайнбург, случайно услышал мой слабый, но приятный голос. Он взял меня с собой и определил в капеллу [собора cв. Стефана в Вене], где, продолжая образование, я учился пению, игре на клавесине и скрипке, причем у очень хороших учителей. До восемнадцати лет я с большим успехом исполнял сопрановые партии, и не только в соборе, но и при дворе. Потом у меня пропал голос, и мне пришлось целых восемь лет влачить жалкое существование… Я сочинял преимущественно по ночам, не зная, имею ли я какой-либо дар к композиции или нет, и записывал свою музыку усердно, но не совсем правильно. Так продолжалось до тех пор, пока мне не выпало счастье изучать подлинные основы искусства у господина Порпоры, который жил тогда в Вене».<\p>

Совет

9 Стиль Гайдна органически связан с почвой, на которой он вырос, – с Веной, великой австрийской столицей. Венский композитор середины 18 в. имел в своем распоряжении несколько разных стилей: один – «строгий», предназначавшийся для месс и прочей церковной музыки: в нем по- прежнему главная роль принадлежала полифоническому письму; второй – оперный: в нем итальянская манера преобладала вплоть до времен Моцарта; третий – для «уличной музыки», представленной жанром кассаций, часто для двух валторн и струнных или для духового ансамбля. Попав в этот пестрый мир, Гайдн быстро создал собственный стиль, притом единый для всех жанров, будь то месса или кантата, уличная серенада или клавирная соната, квартет или симфония.<\p>

10 Значение творчества Й.Гайдна. В 20 в. обнаружилось, что Гайдна нельзя считать, как полагали ранее, отцом симфонии. Полные симфонические циклы, включавшие менуэт, создавались уже в 1740-е годы. Заслуга Гайдна –в подытоживании и совершенствовании того, что было сделано его предшественниками. Гайдна можно назвать отцом струнного квартета, обладающего следующими типическими признаками: 1) состав – две скрипки, альт и виолончель; 2) четырехчастность (аллегро в сонатной форме, медленная часть, менуэт и финал) И рондо-сонаты, в которой принципы сонаты (экспозиция, разработка, реприза) сливаются с принципами рондо (А–В–С–А или А–В–А–С–А–В–А). В своей трактовке деревянных и медных духовых Гайдн с первых же шагов обнаруживает врожденное чувство колорита; даже в весьма скромных по составу партитурах композитор демонстрирует безошибочное чутье в выборе оркестровых тембров. Написанные с помощью весьма ограниченных средств, симфонии Гайдна, по выражению Римского-Корсакова, оркестрованы так хорошо, как никакая иная музыка Западной Европы. Пятьдесят лет творческой жизни Гайдна заполнили глубочайшую стилистическую пропасть – между Бахом и Бетховеном. В 19 в. все внимание было сосредоточено на Бахе и Бетховене, и при этом забывали того гиганта, который сумел перекинуть мост между этими двумя мирами.<\p>

11 Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791) Спустя 250 лет после рождения Моцарта трудно создать отчетливое представление о его личности. По-видимому, в натуре Моцарта парадоксально сочетались самые противоположные качества: великодушие и склонность к едкому сарказму, ребячливость и житейская искушенность, веселость и склонность к глубокой меланхолии – вплоть до патологической, остроумие (он безжалостно передразнивал окружающих), высокая нравственность (хотя он не слишком жаловал церковь), рационализм, реалистический взгляд на жизнь. Без тени самолюбия он восторженно говорил о тех, кем восхищался, например о Гайдне, зато был беспощаден к тем, кого считал дилетантами. Отец однажды написал ему: «У тебя сплошные крайности, ты не знаешь золотой середины», прибавив, что Вольфганг либо слишком терпелив, слишком ленив, слишком снисходителен, либо – временами – слишком строптив и беспокоен, слишком торопит ход событий вместо того, чтобы предоставить им идти своим чередом. И по прошествии столетий личность его представляется нам подвижной и неуловимой, как ртуть.<\p>

12 Невозможно найти другого композитора, который бы с таким блеском, как Моцарт, владел самыми разнообразными жанрами и формами: это относится к симфонии и концерту, дивертисменту и квартету, опере и мессе, сонате и трио. Моцарт не был новатором, как Гайдн, но у него встречаются смелые прорывы в области обновления гармонического языка (например, известная Маленькая жига соль мажор, К. 574 для фортепиано – весьма показательный образец, напоминающий о современной 12-тоновой технике). Оркестровое письмо Моцарта не столь поразительно ново, как письмо Гайдна, но безупречность и совершенство моцартовского оркестра – постоянный предмет восхищения как музыкантов, так и профанов, которые, говоря словами самого композитора, «наслаждаются, не давая себе отчета, чем именно».<\p>

13 Стиль Моцарта сформировался на зальцбургской почве (где было сильно влияние Михаэля Гайдна, брата Йозефа), глубокое и продолжительное воздействие оказали на него впечатления от многочисленных путешествий, совершенных в детстве. Позже большую роль сыграла Италия (где Моцарт побывал трижды): там он воспринял основы драматургии и музыкального языка оперного жанра. А затем Моцарт стал близким другом и почитателем Й.Гайдна и был покорен гайдновской глубоко осмысленной трактовкой сонатной формы. Но вообще в венский период Моцарт создал собственный, исключительно самобытный стиль. И только в 20 в. было до конца осознано удивительное эмоциональное богатство моцартовского искусства и его внутренняя трагичность, близко соседствующая с внешней безмятежностью, солнечностью мажорных фрагментов его музыки. В былые времена только Бах и Бетховен рассматривались как главные столпы западноевропейской музыки, ныне же многие музыканты и любители музыки считают, что это искусство нашло свое самое совершенное выражение в творениях Моцарта.<\p>

14 Занимательно: Моцарт, как известно, был вундеркиндом: в четыре года малыш написал свой первый концерт для клавира, причем такой сложный, что вряд ли кто-либо из европейских виртуозов мог бы его исполнить. Когда любящий отец отнял у малыша неоконченную нотную запись, он изумленно воскликнул: — Но этот концерт так труден, что его никто не сможет сыграть! — Какие глупости, папа! — возразил Моцарт,- его может сыграть даже ребенок. Например я.<\p>

15 Людвиг Ван Бетховен (1770–1827) Немецкий композитор, которого нередко считают величайшим творцом всех времен. Его творчество относят как к классицизму, так и к романтизму. Сочинения Бетховена — прежде всего выражение его гениальной личности.<\p>

16 Бетховен продолжил общую линию развития жанров симфонии, сонаты, квартета, намеченную его предшественниками. Однако его трактовка известных форм и жанров отличалась большой свободой; можно сказать, что Бетховен раздвинул их рамки во времени и в пространстве. Его партитуры требуют, во-первых, большего числа исполнителей в каждой партии, во-вторых, невероятного в его эпоху исполнительского мастерства каждого оркестранта. Кроме того, Бетховен очень чувствителен к индивидуальной выразительности каждого инструментального тембра. Фортепиано в его сочинениях – не близкий родственник изящного клавесина: используются весь расширенный диапазон инструмента, все его динамические возможности.<\p>

17 В отличие от своего предшественника Моцарта, Бетховен сочинял с трудом. Записные книжки Бетховена показывают, как постепенно, шаг за шагом из неуверенных набросков возникает грандиозная композиция, отмеченная убедительной логикой построения и редкой красотой. Именно логика – главный источник бетховенского величия, его несравненного умения организовать контрастные элементы в монолитное целое. Бетховен стирает традиционные цезуры между разделами формы, избегает симметрии, сливает части цикла, развивает протяженные построения из тематических и ритмических мотивов, на первый взгляд не содержащих в себе ничего интересного. Иначе говоря, Бетховен творит музыкальное пространство силой ума, собственной волей. Он предвосхищал и создавал те художественные направления, которые стали определяющими для музыкального искусства 19 в. И сегодня его произведения входят в число величайших, наиболее почитаемых творений человеческого гения.<\p>

Источник: http://www.myshared.ru/slide/83936

Русская музыка 18 века

В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь к  достижениям европейской цивилизации.

Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски – круто и решительно.

Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры и  формы.

Обратите внимание

Главное достижение русского Просвещения – расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».

Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.

В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму.

Новые формы великосветского быта  –  гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балы  и «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы  – способствовали широкому развитию инструментальной музыки. По указу Петра  в каждом полку появились военные духовые оркестры.

Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором[1]. Примеру двора следовала петербургская и московская знать, которая  заводила у себя домашние оркестры.

Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах[2]. Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания.

В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.

Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр, созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина.

Важно

Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,  поскольку каждый рог мог издавать только один звук.

В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта[3].

В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,  преимущественно итальянцев, среди которых композиторы Ф.

Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза[4]. Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria, называлась «Цефал и Прокрис».

В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.

Канты петровского времени нередко назывались «виватами»[5], поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.

На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» – за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).

Источник: http://musike.ru/rml/18th

Музыка в XVIII веке

Петровская эпоха положила начало развитию светской музыки нового типа. Творчество этого времени пока еще очень незначительно: оно ограничивается в основном простейшими жанрами прикладной музыки — военной, застольной, танцевальной.

На улицах новой столицы — Петербурга — играют военные оркестры; во дворце устраиваются ассамблеи с танцами; музыка звучит и на торжественных празненствах, и на военном параде, и на театральных подмостках.

Строительство нового «государства Российского» настойчиво требовало новых, особых, специфических форм музицирования. Новая функция музыкального искусства особенно полно проявилась в жанрах парадной, торжественной музыки.

Совет

Особой популярностью пользовались танцевальные жанры. Танцы петровских ассамблей — менуэт, полонез, англез — прочно укоренились на русской почве, а некоторые из них, в первую очередь менуэт, стали излюбленными в дворянском обществе.

В последние годы царствования Петра музыкальные развлечения при дворе приобретают иной характер. Постепенно к музыке начинают приобщаться наиболее образованные представители русской аристократии.

Некоторые из них хорошо владели искусством игры на клавикордах, скрипке и флейте.

При дворе входят в моду галантные песни любовно-лирического содержания («арии»), исполнявшиеся под аккомпанемент клавесина, флейты или скрипки.

Видное место музыка заняла и в театре.

В период 30-40-х годов музыка постепенно выходит из сферы прикладного искусства на самостоятельный путь развития. Осваиваются сложные музыкальные жанры: опера, кантата, соната, сюита.

Основным жанром, характеризующим развитие музыкального искусства XVIII века в России, была опера. Не удивительно, что именно в оперном жанре ярче всего проявились впоследствии творческие возможности русских композиторов XVIII века.

Большим успехом камерное музицирование пользовалось в аристократических любительских кругах. К этому времени заметно выросла и роль придворного оркестра. Не случайно из среды музыкантов придворного оркестра выдвинулись в конце века такие даровитые русские композиторы, как В.А.Пашкевич и И.А. Хандошкин.

Последняя треть XVIII века характеризуется значительной демократизацией музыкально-общественной жизни. Развивается музыкальное образование, нотопечатание и нотоиздательское дело. Музыка становится достоянием более широких кругов русского общества: домашнее музицирование получает распространение в мелкопоместной и городской мещанской среде.

Ведущая роль в музыкальной жизни России по-прежнему принадлежит оперному театру. Однако развитие музыкального театра к этому времени приобретает новое направление: меняется и оперный репертуар, и состав зрителей.

Источник: https://kultura-socio.ru/kratkaya-istoriya-otechestvennoj-kultury-s-drevnejshikh-vremen-do-nachala-xx-veka/444-muzyka-v-xviii-veke.html

Венский классицизм. Музыка. 4 класс. Разработка урока

4 класс, 4 четверть, 2, 3 урок.

Тип урока: изучение нового материала и закрепление.

Цель урока: Приобщение учащихся к шедеврам музыкальной классики через произведения великих композиторов периода 18 – начала 19 веков: Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена.

Задачи:

Образовательные:

  1. Дать понятие «Венский классицизм», разъяснить стилевые особенности, новаторские тенденции музыкального стиля;
  2. Познакомить учащихся с творчеством композиторов – представителей этого направления музыки.

Развивающие:

  1. Развивать вокально-хоровые навыки с учетом особенностей «ВЫСОКОГО» стиля: плавное звуковедение. «ПРИКРЫТЫЙ» строгий благородный звук.
  2. Способствовать развитию образного и ассоциативного мышления, творческого воображения.

Воспитательные:

  1. Воспитывать уважительное отношение к шедеврам музыки, устойчивый интерес к музыкальному искусству.
  2. Способствовать развитию потребности в самостоятельном общении с высокохудожественной музыкой и желания дальнейшего музыкального самообразования.

Музыкальный материал:

  1. Йозеф Гайдн симфония № 49, фрагмент «La passione» – 2.10;
  2. Йозеф Гайдн «Серенада»№5, фрагмент – 1.25;
  3. В. А. Моцарт симфония №6, «Музыка ангелов» (гитара) – 3.28;
  4. В. А. Моцарт симфония №40, 1 часть – 5.10;
  5. В. А. Моцарт «Парижская симфония», Andante (2 часть) -1.00;
  6. В. А. Моцарт «Реквием» № «Слезная» – 3.04;
  7. В. А. Моцарт «Маленькая ночная серенада»;
  8. Л. Бетховен «Героическая» №3, фрагмент – 4.26;
  9. Л. Бетховен ода «К радости» финал симфонии №9 – 2.27;
  10. Л. Бетховен «К Элизе» – 3.23;
  11. Л. Бетховен симфония №5 (Allegro con brio) – 2.57
  12. Музыка Й. Гайдна слова П. Синявского «Старый добрый клавесин»;
  13. Музыка Е. Адлер слова Л. Дымовой «Песня МЕНУЭТА»
 Этапы урока Содержание этапов Деятельность учащихся Планируемые результаты (включая УУД)
Организационный этап: Вход под музыку Йозефа Гайдна «Серенада» Приветствие, слушание, ответы на вопросы;
Основной этап:– Йозеф Гайдн – информация учителя (новый материал), Слушание музыки Й. Гайдна;– распевание, слушание, разучивание песни «Старый добрый клавесин»; – запись в тетрадь нового понятия,резюме о композиторе;– прослушивание новой музыки;– ответы на вопросы;-вокально-хоровая работа по распеванию и разучивание новой песни по фразам; -Учащиеся, познакомившись с творчеством композиторов: Гайдна, Моцарта, Бетховена должны узнавать звучащие произведения и их авторов;
– Вольфганг АмадейМоцарт – информация учителя,– слушание; – прослушивание нового материала,– рассуждения,– ответы на вопросы,– запись в тетрадь резюме; – Расширить и углубить нравственно эмоциональные впечатления эстетического сопереживания звучащих произведений;
-Людвиг Ван Бетховен – информация учителя, – слушание, – слушание новой песни.– разучивание «Песня Менуэта»; – прослушивание нового материала,– анализирование,– ответы на вопросы,– запись в тетрадь резюме,– вокально-хоровая работа по разучиванию– выполнение теста; – Продолжать развивать умение высказываться о музыке;– Выразительно исполнять вокальные произведения.
Заключительный этап:Подведение к выводу Музыка – отражение жизни, изысканный стиль.Выход под музыку В. А. Моцарта «Маленькая ночная серенада». Домашнее задание: найти стихи, прозу,по желанию нарисовать рисунок по теме.

Ход Урока

На доске выставлены портреты: Й. Гайдна, В. Моцарта, Л. Бетховена.

Организационная часть урока

Вход учащихся под музыку Йозефа Гайдна «Серенада». На этом уроке приветствие молча, кивком головы, не нарушая звучание музыки.

Учитель. Тема «ВЕНСКИЙ КЛАССИЦИЗМ», на мой взгляд, притягательна, прежде всего, своей изысканной утонченной музыкой.

Музыкой классицизма называют период приблизительно между 1730 и 1820 годами.

Понятие классицизма в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, венскими классиками и, определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.

Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства. Именно в этот пери од окончательно сформировалась СОНАТНАЯ ФОРМА, определился окончательный состав частей СОНАТЫ и СИМФОНИИ. В период классицизма появляется СТРУННЫЙ КВАРТЕТ

Обратите внимание

О! Благодатная эпоха! Роскошный, пышный 18 век! Блистательная Вена – столица Австрии, законодательница моды в искусстве, музыки, прежде всего.

Великолепие в архитектуре, живописи, скульптуре – все это внешние черты изысканности привилегированного общества.

Участь же музыкантов незавидна: отсутствие свободы духовной и физической, зачастую, бедное существование, тяжелый труд, невежественное окружение, зависть, откровенная травля.

Звучит симфония № 49, фрагмент «La passione» Йозефа Гайдна.

Учитель. Скажите, пожалуйста, какая группа симфонического оркестра является главной, именно на нее наиболее всего акцентируется внимание? Почему, как вы думаете?

Ученики

– Струнно-смычковая.

– Инструменты этой группы дают звук мягкий, ласкающий слух, вызывающие позитивное настроение.

Учитель. И так, Йозеф Гайдн родился в 1732 году в пригороде Вены, деревне Рорау в семье каретного мастера. Среди местных жителей семья Гайднов считалась образованной и музыкальной.

Учитель. В 16 лет Гайдн был изгнан из хора мальчиков собора святого Стефана в Вене за то, что голос его огрубел, а дерзкий нрав не исправился. Юного Гайдна и раньше пороли, теперь его просто выставили в промозглый ноябрьский вечер на опустевшие улицы Вены.

Скажите, какая по-вашему музыка композитора, опишите ее?

Ученики.

– Его композициям присущи: красота, стройность, чистота, тонкая благородная красота.

– Наверно у композитора Гайдна был мягкий характер.

– Если послушать его музыку: беспечную, безмятежную и ласковую – то представляешь молодого, красивого человека.

Учитель. Трудно представить Гайдна старцем, а между тем он прожил самую длинную жизнь по сравнению с другими композиторами ВЕНСКОГО КЛАССИЦИЗМА, почти 80 лет.

Симфоний он написал -104, его вдохновляла народная музыка, напевы и танцы, их простодушие, жизнелюбие, неунывающая энергия, он и сам выходец из народа.

И называл он свои симфонии: «Часы», «Утро», «Детская», «Медведь», «Курица».

«Господин Гайдн – любимец нации…» А ведь было и иначе. Музыку его называли «игрой в звуки», «галантным пиликаньем». Кстати, Гайдн написал для Павла 1 – тогда еще великого князя – «Русские квартеты».

Музыкальная карьера композитора завершилась ораторией «4 времени года». Работа над ней и преклонный возраст подорвали его силы. Умер Йозеф Гайдн в 1809 году и похоронен в Вене.

На надгробном памятнике надпись по латыни: «…Весь я не умру…»

Ученик читает заранее подготовленный по просьбе учителя стих Виктора Афанасьева.

Учитель. Сегодня у нас с вами есть возможность не только послушать великолепную музыку Гайдна, но и разучить песню, написанную этим необыкновенным сочинителем. Послушайте, пожалуйста.

Учитель исполняет песню «Старый добрый клавесин» Й. Гайдна. Класс распевается перед разучиванием.

Распевание. 2 распевки с учащимися:

  • 1-я – поступенное движение вверх и вниз по гамме (C-dur) в пределах 1 октавы с названием нот;
  • 2-я – на развитие дикции.

Разучиваем классом песню по фразам, сначала текс 1 куплета, затем текст припева.

Мелодию последовательно 1 куплета, припева. В завершении исполняем всю песню.

Звучит музыка Моцарта симфония № 6 «Музыка ангелов» в исполнении гитары. Другой ученик читает на фоне музыки стих Виктора Бокова, подготовленный заранее.

Ученик.

Учитель. С музыкой этого гения в музыке вы уже знакомы. Что вы можете рассказать о самом композиторе? Какие произведения вы помните?

Ученики.

– Понятие о чуде-ребенке началось с появлением композитора Моцарта. Ведь именно он еще маленьким начал самостоятельно сочинять первые пьесы.

– Это самый солнечный композитор, так его музыку называют из-за необыкновенно светлой красивой мелодики.

– Мы слушали на уроках «Марш в турецком стиле».

– Совсем недавно мы слушали «Вариации на французскую песню».

– Многие выступления музыкального театра «Капель» начинаются с музыки Моцарта.

Звучит «Парижская симфония», Andante (2 часть) В. А. Моцарта.

Учитель. Вольфганг Амадей Моцарт родился в старинном, очень живописном городке Зальцбурге, расположенном на берегах красивейшей реки Зальцах. Отец был серьезным и образованным музыкантом и превосходным педагогом.

Учитель. Появление на свет 27 января 1756 года седьмого сына едва не стоило матери жизни. По австрийским обычаям мальчик получил несколько имен: Иоганнес Хризостомус Вольфгаггус Теолофилус, однако близкие называли его просто Вольфгангом.

В Париже в первый раз были напечатаны музыкальные сочинения ребенка, которому не исполнилось еще 8 лет», – писал выдающийся писатель и композитор Серов. «Сердце облагораживает человека, и пусть я не граф, но чести во мне больше, чем у иного графа», – писал Вольфганг отцу.

Ведь освободиться от тяготившей рабской зависимости грубого и деспотичного архиепископа смог композитор только к 25 годам в расцвете таланта.

Учитель. Жизнь складывалась не легко. Частые утомительные выступления в открытых концертах и в аристократических салонах, уроки с учениками, напряженные поиски заработка, постоянная неуверенность в завтрашнем дне – все это незаметно подтачивало и без того слабое здоровье молодого композитора.

Звучит симфония №40, 1 часть В. А. Моцарта.

Учитель. «Музыка даже в самых ужасных драматических положениях должна всегда пленять слух, всегда оставаться музыкой». Так писал Вольфганг Моцарт.

Популярным танцем 18 века в Европе считался «Менуэт» не быстрый, спокойный по характеру, жеманный с многочисленными реверансами.

Важно

Чтобы почувствовать себя в этой замечательной эпохе давайте разучим «Песню Менуэта» композитора Адлер.

Разучиваем новую песню по фразам, предварительно послушав ее в исполнении учителя и выучив текст. «ПЕСНЯ МЕНУЭТА».

Столица империи Вена восхищалась Моцартом, когда он был чудо-ребенком, виртуозом – импровизатором. Но пресыщенная развлечениями Вена не понимает нынешнего Моцарта: резкого, насмешливого, с обострившимся профилем. Когда он успел стать другим? И когда в его музыке открылась эта пугающая глубина?

Даже в последний год жизни, год болезней и нужды, Моцарт не изменил себе. Да, он писал «Реквием».

Ученики читают заранее подготовленный стих «Моцарт» Винцаса Миколайтиса и читают под звучание номера «Слезная» «Реквиема» Моцарта.

Учитель. В ночь 5 декабря 1791 года Моцарта не стало. Убитая горем жена Констанца лежала тяжело больная, без памяти. В доме не было ни гроша.

В день погребения разыгралась настоящая буря с метелью. Некрашеный сосновый гроб на жалких дрогах добрался до городской черты. Только Сальери, один, спешил за гробом. Назавтра старик могильщик уже не помнил, куда он сбросил гроб Моцарта. Так утверждают множество старых и новых книг о Моцарте.

Звучит музыка симфонии «Героическая» №3, фрагмент Л. Бетховена, учитель на фоне звучащей музыки читает стих Н. Заболоцкого.

Учитель. Людвиг Ван Бетховен. «Он был невысокий, коренастый, могучего, почти атлетического сложения, – писал Ромен Роллан, – лицо широкое, только на склоне лет цвет кожи стал болезненно – желтоватым. Лоб мощный, глаза его пылали изумительной, поражавшей всех силою… Нос у него был короткий, широкий – отсюда сходство с обликом льва».

Звучит музыка Людвига Ван Бетховена ода «К радости» финал симфонии №9

Судьба никогда не была к нему благосклонна. У него не было лучезарного детства Моцарта и не будет тихой старости Гайдна. Он не был обласкан большой семьей музыкантов, как Иоганн Себастьян Бах, у него никогда не будет жены.

Родители его давно умерли. А друзей он теперь не слышит. Теперь с каждым днем Вена становится беззвучней: глухота одолела Бетховена, и тень безотрадности и тревоги легла на его лицо…

 Звучит музыка Людвига Ван Бетховена «К Элизе», на музыкальном фоне учитель читает стих Ильи Сельвинского «Тайна Бетховена»:

Учитель. Два потока времени раздробили его жизнь. Один уже обрел бессмертное звучание в новой его музыке. Другой полон мелочных забот, повседневных тягот, житейского сора. Скаредность издателей, высокомерие и вероломство титулованной и чиновной знати, омуты закулисных театральных сплетен…

Звучит музыка Бетховена симфония №5 (Allegroconbrio).

 Учитель. «Судьба стучится в дверь…» Шуман пророчески предвидел, что «пока стоит мир и люди слушают музыку 5-ая симфония Бетховена будет поражать воображение, как великие явления природы устремленностью к молниям, наполняя сердца изумлением и трепетом…»

Учитель. Скажите, друзья, что необычного в музыке Л. Бетховена мы можем выявить? Чем она отличается от музыки других венских классиков?Что нового в звучании симфонического оркестра мы слышим?

Ученики.

– Музыка Бетховена звучит мощно, чего не наблюдается у Гайдна и Моцарта.

– Динамически громко сильно играет симфонический оркестр.

– Слышны инструменты медные духовые, именно они создают ощущение грома.

– Конечно, такая музыка пугала, после ублажающей музыки Гайдна и даже Моцарта.

Учитель. Связь времен нерасторжимо соединяет великих. Но каждый из них идет сквозь свое время. Вот почему каждая новая эпоха рождает «новых гениев».

И пока люди живут, мечтают, радуются, страдают, пока народы борются, будут являться новые симфонии, и будут звучать старые.

Тест на определение стиля композиторов Венского классицизма.

Домашнее задание: Найдите стихи, прозу по теме «Венского классицизма», по желанию сделайте рисунок с изображением эпохи 18 века.

Учитель. Урок окончен.

Ученики выходят под музыку В. А. Моцарта «Маленькая ночная серенада».

Используемая литература:

  1. Великие музыканты Западной Европы: И.С. Бах, Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. Бетховен: хрестоматия для уч-ся ст. кл. / сост. В.Б. Григорович. – М.: Просвещение, 1982. – 224 с.: ил.
  2. Галацкая В. Музыкальная литература зарубежных стран: учебное пособие. Вып. III. Изд. 4-е, перераб., доп. / под ред. Е. Царевой. – М, 1970.
  3. Гивенталь И. Музыкальная литература: учеб. пособие для муз. уч-щ / И.
  4. Гивенталь, Л. Щукина-Гингольд: в 2-х вып. – М.: Музыка, Вып. 2: К. В. Глюк, Й. Гайдн, В.А. Моцарт. – 1984. – 480 с.: нот.

 Стихи поэтов:

  • Виктора Афанасье а «Кто Гайдн?» 1969 г.,
  • Виктора Бокова «Моцарт»,
  • Винцаса Миколайтиса «Моцарт»,
  • Николая Заболоцкого 1946 г.,
  • Ильи Сельвинского «Тайна Бетховена»,
  • Максима Рыльского «Бетховен».

ТСО: музыкальный центр, аудиозаписи, портреты: Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена.

Музыкальный инструмент: фортепиано.

Интернет ресурсы:

Источник: https://rosuchebnik.ru/material/venskiy-klassicizm-muzyka-4-klass-razrabotka-uroka/

Представители музыкального искуства 18 века

Введение

Барокко, рококо, классицизм — основные направления в искусстве 18 века, проявившие себя во всем — в литературе, в живописи, в архитектуре и  в музыке.

Эволюция музыки в 18 веке достигает блестящей эпохи. Формы, которые зарождались в начале 17 века, достигают высшей ступени  совершенства.

В начале 18 века наиболее популярным стилем музыки был сентиментальный  классицизм. Это была медленная неторопливая музыка, не особенно сложная. Играли ее на струнных инструментах. Обычно она  сопровождала балы и пиры, но также  ее любили слушать и в непринужденной домашней атмосфере.

Совет

Затем, в лютневую музыку начали попадать черты и приемы Рококо, такие как трель и флажоет. Она приобрела более замысловатый вид, музыкальные фразы стали сложнее и интереснее. Музыка стала более оторвана от реальности, более фантастична, менее правильна и, тем самым, ближе слушателю.

Ближе ко второй половине 18 века черты Рококо настолько влились  в музыку, что она начала приобретать  определенную ориентацию. Так, вскоре в музыке отчетливо выделились два  направления: музыка для танцев и  музыка для пения. Музыкой для  танцев сопровождались балы, музыка для  пения звучала в конфиденциальной обстановке.

Классицизм стал кульминацией классического искусства.

В данной работе освещается музыкальное искусства XVIII века как  эпохи создания музыкальной классики в ее основных явлениях и жанрах (опера, фуга, соната, симфония), характеризуется  творчество Баха, Генделя, Глюка, Гайдна, Моцарта и других композиторов; разбирается творчество выдающихся композиторов. Работа состоит из введения, трех глав основной части, заключения и списка литературы.

1. Музыкальная культура XVIII века

В истории музыкального искусства XVIII век получил огромное значение и поныне представляет первостепенный интерес. Это эпоха создания музыкальной  классики, рождения крупных музыкальных  концепций по существу уже светского  образного содержания.

Музыка не только встала на уровень других искусств, переживавших свой расцвет с эпохи  Возрождения, на уровень литературы в ее лучших достижениях, но в целом  превзошла дocтигнyтое рядом дрyгиx искусств (в частности, изобразительных) и к концу столетия оказалась способна создать большой синтезирующий стиль такой высокой и длительной ценности, как симфонизм венской классической школы.

Бах, Гендель, Глюк, Гайдн и Моцарт — признанные вершины на этом пути музыкального искусства от начала к концу века. Однако значительна роль и таких оригинальных и ищущих художников, как Жан Филипп Рамо во Франции, Доменико Скарлатти в Италии, Филипп Эмануэль Бах в Германии, не говоря уж о множестве других мастеров, сопутствовавших им в общем творческом движении.

Как известно, Германия, Италия и Франция с их творческими  школами занимали ведущее положение  в развитии музыкального искусства  того времени. Но участие других стран  в этом процессе тоже не вызывает сомнений.

Музыкально-общественные условия Англии, в которой создавались оратории Генделя, воздействие испанской  музыкальной культуры на Скарлатти, руководящая роль чешских мастеров в формировании мангеймской капеллы, славянские и венгерские истоки ряда гайдновских тем — тому убедительные примеры.

Обратите внимание

Вообще творческие связи  между разными европейскими странами, заметные и ранее, хотя бы в XV, XVI, XVII веках, крепнут и усиливаются  на протяжении XVIII.

Это выражается не только во взаимообогащении собственно музыкального письма, музыкальных жанров, их тематизма, принципов развития в музыкальных формах, но и общего идейно-эстетического воздействия, усилившегося в новых исторических условиях.

Если б можно было теоретически представить себе Иоганна Себастьяна Баха или Глюка (а также Генделя или Моцарта) развивающимися в изолированной обстановке их страны, то многие из главнейших качеств их великого искусства показались бы беспочвенными, трудно объяснимыми, чуть ли не парадоксальными.

Откуда возникает высокий трагизм в искусстве Баха, которое, однако, остается мудрым и гармоничным? Откуда это острейшее чувство трагического, не достигавшее подобной силы у художников ХVII века? Если оно идет от осознания тяжелых судеб своей родины, то почему оно не нашло воплощения гораздо раньше? Потому что именно исторические условия XVIII века, пример других стран пробудили у нового поколения новую остроту самосознания, а с ней и новые чувства, новые оценки.

Известно, что в разоренной и разрозненной феодальной Германии Просвещение несколько запоздало  и не носило там столь явно революционного характера.

Но в самый канун Просвещения  музыкальное искусство немецких мастеров поднимается к высоким  вершинам образных обобщений и творческих концепций у Баха и Генделя, синтезирующих  все лучшее из исторических традиций и прозревающих пути к далекому будущему.

А в итоге эпохи Просвещения  складывается австро-немецкая творческая школа, представленная венскими классиками, которая на новом этапе достигает  наивысшего творческого принципа симфонизма.

В этой атмосфере, которая, так или  иначе, чувствуется во всех европейских  странах, происходит интенсивное развитие ряда национальных творческих школ, обретающих силу, самостоятельность, завоевывающих художественный авторитет именно в XVIII веке благодаря новым достижениям в сфере светского музыкального искусства.

Важно

Русская творческая школа  чисто светского направления  складывается именно в XVIII веке, хотя истоки ее уходят далеко в глубь столетий. Возрастает значение и творческое влияние чешской музыкальной школы, широко представленной инструментальными жанрами и заявившей о себе созданием опер.

Плодотворным оказывается XVIII век для польской творческой школы, имеющей давние традиции и  теперь овладевающей новыми крупными жанрами инструментальной и театральной  музыки.

На общих путях музыкального развития от начала к концу XVIII века многое уже объединяет или сближает страны Западной Европы (что становится наиболее очевидным в последней  трети столетия). Во Франции и  Италии начинается полемика вокруг старых оперных жанров, подвергающихся серьезной  и острой критике социально-эстетического  порядка.

В ряде стран возникают  новые оперные прогрессивные  направления, связанные с зарождением  комических, комедийных оперных жанров: оперы-буффа в Италии, комической оперы во Франции, зингшпиля в Германии и Австрии, комедийных музыкальных спектаклей в Испании.

И что особенно показательно, все страны Западной Европы так или иначе участвуют в движении к новому стилю венской школы, знаменующему торжество гомофонно-гармонического склада и сонатно-симфонических форм.

Как ни различны традиции и творческие возможности каждой из стран, стилевой перелом около середины столетия и дальнейшее развитие сонатно-симфонических принципов подготовлены целой системой творческих усилий многих мастеров Италии, Франции, Германии, не говоря уж о народно-национальных истоках, идущих отовсюду.

Изобразительное искусство  и архитектура этого периода  характеризовались весьма вычурными  формами, сложностью, пышностью и  динамикой, позже это слово применили  и к музыке того времени.

Сочинительские и исполнительские приёмы периода  барокко стали неотъемлемой и  немалой частью музыкального классического  канона. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились  способы игры на инструментах.

Совет

Расширились  рамки жанров, выросла сложность  исполнения музыкальных произведений. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.

Композиторы эпохи барокко  работали в различных музыкальных  жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной  из главных музыкальных форм. Можно  вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660-1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других.

Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И.С. Баха и Генделя. В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди.

Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для  отдельных инструментов, так и  для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром  и как кончерто гроссо, в котором  небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем.

Пышности и великолепия многим королевским  дворам добавили и произведения в  форме французской увертюры, с  их контрастными быстрыми и медленными частями. Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И.С.

Баха, общепризнанные интеллектуальными шедеврами эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Основным музыкальным  инструментом барокко стал орган  в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение  получили клавесин, щипковые и смычковые  струнные, а также деревянные духовые  инструменты: различные флейты, кларнет, гобой, фагот.

Переходная фаза между  поздним барокко и ранним классицизмом (1740-1780), наполненная противоречивыми  идеями и попытками объединить разные взгляды на мир, имеет несколько  названий. Её называют «галантным стилем», «Рококо», «Предклассическим периодом» или «Раннеклассическим периодом».

Обратите внимание

В эти несколько десятилетий композиторы, продолжающие работать в стиле барокко, всё ещё оставались успешными, но уже принадлежали скорее не к настоящему, а к прошлому. Музыка оказалась на распутье: мастера старого стиля владели великолепной техникой, а публика уже хотела нового.

Воспользовавшись этим желанием, достиг известности Карл Филипп Эммануил Бах: он отлично владел старым стилем, но много работал над тем, чтобы обновить его. Его клавирные сонаты замечательны свободой в строении, смелой работой над структурой произведения.

В этот переходный момент увеличилось различие между духовной и светской музыкой. Духовные сочинения оставались преимущественно в рамках барокко, в то время как мирская музыка тяготела к новому стилю.

Особенно в католических странах центральной Европы, барочный стиль присутствовал в духовной музыке до конца восемнадцатого века. Мессы и оратории Гайдна и Моцарта содержали в себе множество барочных приёмов в своей контрапунктной и гармонической структурах.

Упадок барокко сопровождался  длительным периодом совместного существования  старой и новой техник. Во многих городах Германии барочная практика исполнения сохранилась до 1790-х годов, например, в Лейпциге, где в конце  своей жизни работал И.С. Бах.

В  Англии устойчивая популярность Генделя обеспечила успех менее известным композиторам, сочинявшим в уже уходящем барочном стиле: Чарльзу Ависону, Уильяму Бойсу и Томасу Августину Арну.

В континентальной Европе этот стиль уже стал считаться старомодным; владение им требовалось лишь для сочинения духовной музыки и окончания появлявшихся тогда во множестве консерваторий. Но, т.к.

многое в музыке барокко стало основой музыкального образования, влияние барочного стиля сохранилось и после ухода барокко как исполнительского и композиторского стиля.

Важно

Музыкой периода классицизма  или музыкой классицизма, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами. Выдающимся достижением второй половины XVIII в.

является формирование Венской классической школы, представителями которой  являются Й. Гайдн, В. Моцарт и Л.

ван Бетховен, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.

Именно в этот период в  основном сформировался состав современного симфонического оркестра, жанры симфонии, сонаты, трио, квартета и квинтета.

В  сонатной allegro зарождается, а позже, в творчестве Бетховена формируется новый метод музыкального мышления — симфонизм. Существенного реформирования в творчестве В.А. Моцарта и К.Ф.

Глюка испытывает оперный жанр, преодолевая закостеневшую условность аристократической оперы. В творчестве К.Ф. Глюка и Л. Ван Бетховена отделяется в качестве самостоятельного жанра балет.

Эстетика классицизма  основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось в внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы.

Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классических состав частей сонаты и симфонии.

Совет

В период классицизма появляется струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, значительно расширяется состав оркестра.

Итак, со всеми своими трудностями, эстетическими противоречиями и  даже потрясениями, со своими контрастами  и своим высшим единством XVIII век  был великим веком музыкального искусства, временем его прекрасного  восхождения. При всём стилевом и  жанровом разнообразии в музыкальной  культуре 18 века можно выделить основные тенденции развития:

— Светская музыка постепенно  вытесняет духовную, стирается прежде  чёткая граница между этими  полюсами музыкальной культуры.

— Всё большее распространение  получает инструментальная музыка.

— Формируется симфонический  оркестр и фундаментальные приёмы  оркестрового письма.

— Очередные этапы в  развитии оперы. Появление новых  жанров, классических и романтических.

— Расцвет классицизма  — соната, симфония, концерт. Сонатная  форма.

— Новая гармония и новые  образы в романтизме.

— Возникновение национальных  школ.

Культурное наследие 18 столетия до сих пор поражает необычайным  разнообразием, богатством жанров и  стилей, глубиной постижения человеческих страстей, величайшим оптимизмом, верой  в человека и его разум.

бах барокко классицизм композитор

2. Выдающиеся композиторы  XVIII века

Самые известные имена  этого периода И.С. Бах, Г.Ф. Гендель. Можно различно оценивать их произведения: оценка зависит от вкусов и направлений. Но каждый в своей области они  выполнили свою миссию с равным совершенством. Сила их творчества сконцентрировала вокруг себя все существенное, что  было достигнуто до тех пор европейской  музыкой.

Иоганн Себастьян Бах (1685 — 1750) — один из величайших композиторов в истории музыки. За свою жизнь  Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все  значимые жанры того времени, кроме  оперы; он обобщил все достижения музыкального искусства данного  периода.

Источник: http://freepapers.ru/13/predstaviteli-muzykalnogo-iskustva-18-veka/246976.1656056.list1.html

Ссылка на основную публикацию