Художник ф. винтерхальтер. почему принцессы и графини «выстраивались» в очередь к францу великолепному?

Художник Ф. Винтерхальтер. Почему принцессы и графини «выстраивались» в очередь к Францу Великолепному?

В маленькой немецкой деревушке Менсеншвад в 1805 году родился мальчик, которому было предначертано блестящее будущее. Даже в самых смелых мечтах его родители не могли предположить, что их Франца будут любезно принимать во всех европейских дворах, а дамы света будут записываться к нему в очередь, почтительно пропуская вперед королев и принцесс. И все это – благодаря живописи.

  Так написать женский портрет, как это делал Франц Великолепный (такое прозвище Франц Ксавьер Винтерхальтер получил в светских салонах Франции), умели в Европе середины XIX века немногие живописцы. Заказчицам импонировало, что он, как никто, умел придать фигуре грациозность и изящество, глазам – таинственность, а улыбке – легкое лукавство.

А как он передавал изысканные дамские туалеты! Под его кистью шелковисто струится атлас, тончайшей паутиной окутывают дамские плечи кружева, искрятся драгоценные камни. Немаловажно, что он принципиально не видел у дам недостатков. На его портретах все они красивы, но при этом не просто узнаваемы, а очень похожи на самих себя. А вот это уже – великое искусство.

 Путь к успеху занял у Франца не так уж и много времени. Живописи он обучался в академии Монако. И, видимо, хорошая школа, умноженная на талант, принесла отличные плоды. Его портреты быстро завоевали популярность, появились именитые заказчики. А в 1835 году поступил и первый престижный заказ – написать парадный портрет великого герцога Баден Леопольда I.

Обратите внимание

Результат Леопольду понравился, и Винтерхальтер был принят в придворный штат главным живописцем. С этого момента начался его стремительный взлет.  

Теперь основными заказчиками портретов стали королевские семьи Англии, Австрии, Бельгии, России, Франции; да и мало ли в Европе было в то время владетельных домов, так что заказов хватало.

Вслед за успехом последовало и «повышение по службе», Наполеон III назначил Винтерхальтера главным портретистом имперской семьи Франции.

Иметь портреты от Винтерхальтера хотели не только коронованные особы.

Вы можете себе представить принцесс и графинь, «стоящими» в очереди и пишущими чуть ли не на ладони порядковые номера? А великий романист Александр Дюма видел это своими глазами: «Дамы в течение месяцев ждут своей очереди, чтобы попасть в ателье Винтерхальтера и Дюбюфа, они записываются, они имеют свои порядковые номера и ждут – одна год, другая восемнадцать месяцев, третья два года. Наиболее титулованные имеют преимущества. Все дамы мечтают иметь в своем будуаре портрет, написанный Винтерхальтером или Дюбюфом». Добавить, как говорится, нечего.  

Ажиотаж в Европе не мог пройти мимо российских аристократок. Исконно русское – «а чем мы хуже?» – привело к тому, что в очереди появились известнейшие российские фамилии: Мусины-Пушкины, Трубецкие, Римские-Корсаковы, Нарышкины, Шуваловы, Юсуповы, Бобринские. Сегодня только в Эрмитаже хранится 10 портретов наших соотечественниц, написанных Винтерхальтером. Несколько подобных портретов есть в провинциальных музеях, а сколько их в частных коллекциях и зарубежных музеях, подсчитать трудно.

Портрет Варвары Алексеевны Мусиной-Пушкиной

Портрет графа Алексея Алексеевича Бобринского

Есть в коллекции Эрмитажа и один мужской портрет кисти Винтерхальтера. В 1844 году он изобразил графа Алексея Алексеевича Бобринского. Портрет разительно отличается от обычных полотен автора. На темном фоне изображен стройный худощавый мужчина в строгом сером сюртуке.

Ни украшений, ни орденов, все внимание сразу фокусируется на лице: пронзительный взгляд, волевой рот, высокий лоб. Как точно художник подметил суть портретируемого. Это не обычный прожигатель жизни, это – труженик.

 

Портрет явно подтверждает слова Петра Вяземского, что «в лице Алексея Алексеевича удачно сочетались блестящая образованность, высокая культура, прирожденное свободомыслие, искренний патриотизм, талант и неисчерпаемый дух исследователя».

Имя этого человека незаслуженно забыто, а ведь он создал в стране производство сахара и построил первую железную дорогу, соединившую Петербург и Царское Село. Благодаря ему в России стала развиваться добыча угля, а цена на сахар снизилась с 2 рублей до 13 копеек за фунт. Это ли не пример для подражания современным бизнесменам?

Портрет императрицы Марии Александровны

Но зрители редко обращают внимание на этот портрет, их привлекают образы прекрасных дам. А уж на этих-то портретах есть чем полюбоваться. Несомненный интерес представляет портрет императрицы Марии Александровны – супруги Александра II. Это ей поэт Федор Тютчев посвятил в 1864 году прекрасные строки:

 «Как неразгаданная тайна, Живая прелесть дышит в ней – Мы смотрим с трепетом тревожным На тихий свет ее очей. Земное ль в ней очарованье Иль неземная благодать? Душа хотела б ей молиться, А сердце рвется обожать».  

Это была удивительная женщина, во многом благодаря ей в России стало развиваться женское образование. Под её патронажем открывались женские гимназии и епархиальные училища. Она стояла у истоков организации российского Красного Креста, вложив в него много труда и собственных средств. Под ее покровительством находились многие благотворительные общества.

Портрет императрицы Александры Федоровны

Свой след в общественной и культурной жизни России оставила и императрица Александра Федоровна, супруга Николая I. Сохранилась её библиотека из более чем 9 тысяч книг, которая создавалась при непосредственном участии В.А. Жуковского.

Многие книги в ней уникальны, это прижизненные и посмертные издания сочинений Байрона, Гюго, Гете, Пушкина, Лермонтова, Гоголя. В 1862 г. по случаю открытия Московского публичного и Румянцевского музеев библиотека была перевезена в Москву.

Портрет Александры Федоровны – один из немногих, реалистично изображающих даму «в возрасте», ей тогда было 58 лет.

Портрет Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой

Важно

Любопытна и судьба Варвары Римской-Корсаковой, которую художник писал дважды. Поговаривают, что он даже был в неё тайно влюблен. Она блистала в европейских столицах, в Париже её называли «Венерой из Тартара». О её красоте и остроумии ходили легенды.

Считается, что отдельные её черты Лев Толстой передал одной из героинь романа «Анна Каренина». Обратите внимание – на ней нет украшений, только маленькие серьги в ушах. Она обоснованно считала, что её красоте драгоценности не нужны. Любопытна география нахождения её портретов: Париж и Пенза.

 Художник много и плодотворно работал. Он не был мастером психологического портрета, да от него заказчики этого и не ждали. Их привлекало в его творчестве другое – искреннее поклонение красоте.

 

Давно уже ушел из жизни Франц Ксавьер Винтерхальтер, но живут созданные им портреты, передавая обаяние и красоту женщин той удивительной эпохи.

Источник: http://umeha.3dn.ru/blog/2013-09-06-361

Царственные модели

Успехи и огорчения

Винтерхальтер так быстро завоёвывает симпатии более чем знатных заказчиков, что его «карьерный рост» вызывает состояние лёгкого шока.  Репутация модного живописца помогает ему стать придворным художником короля Франции – Луи-Филиппа.

Винтерхальтер пишет портреты многочисленной королевской семьи, выполняя более тридцати заказов.

Успех художника в аристократических кругах, его мастерство в  сочетании портретного сходства и романтической приподнятости образов, умение сделать красавицу из самой, казалось бы, заурядной дамы – всё это вызвало неоднозначную реакцию в художественных кругах.

Братья по кисти осуждают бедного Франса в стремлении к популярности и быстрому обогащению. Действительно, как пишут некоторые критики, художник стал заложником собственного таланта. Его портреты так хороши, что все дамы стремятся стать его моделями. По свидетельству Дюма, женщины из высших кругов общества выстраивались в очередь к сыну фермера, месяцами дожидаясь чести позировать ему.

Но, как водится, и в эту бочку мёда добавили ложку дёгтя критики. Критики, восхвалявшие его дебют на выставке в Салоне 1836 года, называют его художником, к которому просто нельзя относиться серьёзно.

Это отношение примерно таково, как в наше время отношение оперных певцов к исполнителям популярных песенок, к тому же ещё и поющим под «фанеру». И вот так художники и критики относились к Винтерхальтеру на протяжении всей его жизни. Огорчало ли его это? Увы, да.

Сам он представлял свои портреты как временное явление, этап перед началом новой серьёзной работы. Он рассчитывал возвратиться к предметной живописи и восстановить свой академический авторитет.

Заложник своего таланта

Блуждая по недрам интернета среди многочисленных и одинаковых биографий Винтерхальтера,  я споткнулась на такой фразе: «он оказался жертвой собственного успеха». И далее о том, что Винтерхальтеру для своего же спокойствия приходилось работать практически только в портретном жанре.

Что же значило это «для своего же спокойствия»? Сколько я ни искала ответ – интернет безмолвствовал, или выдавал какую-то ерунду. Могу лишь предположить, что заказчиками художника становились столь высокопоставленные люди, что отказать им, как говорится, было себе дороже.

И я уж не знаю, как долго художника огорчала его сомнительная репутация в художественных кругах, но его успех, международная слава, покровительство царствующих особ должны были компенсировать все огорчения с лихвой.

Совет

Кроме того, он разбогател, и, вполне возможно, что все приобретённые им «плюсы» не давали покоя  братьям по кисти.    Представьте себе, долгое время творчество бедного богатого Ксавье просто таки не признавалось искусством! Его портреты считались чем-то вроде исторических свидетельств, таких, как фотографии.

И только после персональной выставки художника в 1987 году ему вернули его доброе имя и признали, наконец, талантливым художником. Салонный художник

С именем Винтерхальтера связывают и понятие салонного портрета. В те времена,  прежде чем попасть в роскошный особняк той или иной именитой заказчицы, их портреты экспонировались в Салоне, и поэтому за ними закрепилось название салонных. Однако вскоре понятие «салонный» стало иным.

Портрет мог и не экспонироваться на выставке в Салоне, а сразу становиться украшением особняка или квартиры. «Салонным» его делало соответствие эстетическим запросам аристократических верхов.

  Винтерхальтер пользовался постоянным спросом при  королевских дворах Британии, Испании, Бельгии, Мексики, Германии и Франции, а также Польши и России.

Любимыми моделями Винтерхальтера были французская императрица Евгения…

Императрица Евгения в окружении фрейлин, 1855, Château de Compiègne

…и английская королева Виктория.

Обе королевы весьма благосклонно относились к художнику и тем самым защищали его от неугомонных критиков.  Особенно нравились работы Винтерхальтера  королеве Виктории. Судите сами — с 1842 по 1871 год он выполнил более сотни картин по её заказу.
 

Семья королевы Виктории

Злые языки утверждали, что такое плодотворное сотрудничество объясняется тем, что лукавый Франс слегка идеализировал модели, скрывая изъяны внешности. «Дружелюбная» критика навсегда вычеркнула его из списка мастеров живописи за то, что художник, якобы, льстил монархам.

Господи Боже мой! Хоть и нельзя упоминать всуе имя господне, но скажите мне, кто из нас хочет, чтобы художник на портрете изобразил непременно все наши недостатки, посадил нас в таком ракурсе, чтобы нос стал длиннее, глаза меньше, морщины глубже, а подбородок из двойного стал тройным? Монарх вы, или управдом – без разницы.

Если требовать от художника такого портретного сходства, при котором обнажатся все наши недостатки, то, простите меня, жанр портрета исчезнет как таковой. Да и не вижу я в портретах Винтерхальтера какой-то необыкновенной лести. Умение удачно подобрать ракурс – это да. Но это право художника, стремящегося к совершенству.

И это всё о нём

Где-то я прочитала о Винтерхальтере, что он не был мастером психологического портрета, да этого от него и не ждали. Но пока я писала эту статью, пересмотрела немеряно его картин, и не могу согласиться с этим утверждением. В смысле, что он не был мастером психологического портрета. То, что в основном от него этого не ждали – верно.

Более всего заказчиков, и особенно заказчиц, привлекало в нём его умение передать сходство с оригиналом и искреннее поклонение красоте. И, конечно же, иногда его стремление создать идеальный образ снижало психологизм портрета.

Читайте также:  In vino veritas? элизиум раймонда кэмпбелла

Однако серия портретов русских аристократов убедила меня в том, что Винтерхальтер владеет искусством психологического портрета не в меньшей степени, чем портрета в жанре «фотографический реализм».
Итак, «славянский» период творчества Винтерхальтера начался в 1850-х годах.

Обратите внимание

Художник написал в 1854 году портрет «Катарина Браницкая, графиня Потоцкая» – его называют одним из самых поразительных произведений Винтерхальтера. Кстати, я нашла два портрета. И оба, на мой взгляд, поразительные. Судите сами.

Если это не психологические портреты – то я уж и не знаю тогда. Можно, конечно, спорить о том, что такое «психологический портрет».

А можно просто процитировать: «… психологический портрет  раскрывает глубину внутреннего мира человека, отражает полноту его личности, он призван запечатлеть в мгновении движение человеческих чувств…» То есть, попросту говоря, такой портрет показывает не только внешнюю красоту модели, но и её внутренний мир.

В конце 1856 года Винтерхальтер отправился в Германию, где написал тот самый портрет русской императрицы Марии Александровны , с которого и началось моё знакомство с этим поразительным художником. Эта работа положила начало качественно новому витку творчества Винтерхальтера – серии портретов русских дворянок. От этих портретов просто захватывает дух – так прекрасны эти женщины.

Варвара Дмитриевна Римская-Корсакова, 1864

Посмотрите на портрет В.Д. Римской – Корсаковой. Если кто-либо усомнится в точности психологического портрета этой роскошной красавицы, прозванной в аристократических кругах Европы «Татарской Венерой», то ему достаточно будет прочитать биографию этой удивительной женщины.

  Искусством эпатажа она владела получше, чем наши современные «звёзды».   О её свободолюбии, гордости, независимости и пренебрежении общественным мнением ходили легенды. Страницы интернета переполнены рассказами о ней, мнениями и обсуждениями её личности.

А ведь если бы не Винтерхальтер, Варвара Дмитриевна осталась бы для нас бесплотной тенью. Не менее выразительны и другие портреты русских дворянок.

Постскриптум

Когда я писала эту статью, моя дочь, художница,  посетовала, отчего им в академии не преподавали творчество Винтерхальтера. И в самом деле – этот художник очень надолго был забыт  совершенно незаслуженно.

На мой взгляд, он намного опередил современных портретистов, таких, например, как Никас Сафронов,   как по живописному мастерству, так и по выразительности портрета. Возможно, поклонники Сафронова со мной не согласятся.

Что же касается меня, я навсегда останусь поклонницей таланта замечательного художника Франса Ксавье Винтерхальтера. 

Источник: http://svetart.by/salonnyj-khudozhnik/tsarstvennye-modeli

Cамые красивые женщины в русской истории

Россия всегда славилась красотой своих женщин. И были в русской истории красавицы, устоять перед которыми не могли ни цари, ни простые смертные.

Из огромного количества претенденток, доставленных на смотрины невест со всей Руси, Иван Грозный выбрал именно Анастасию. Сложно с уверенностью сказать, что в большей степени повлияло на выбор царя.

Возможно, акцентировал внимание 17-летнего жениха на одной из тысячи красавиц его опекун – Михаил Юрьевич, который приходился Анастасии дядей.

Известно, что царица была невысокой. Правильные черты её лица обрамляли длинные густые волосы темно-русого цвета. Как писал Карамзин, «современники приписывали ей все женские добродетели», красота же считалась «необходимою принадлежностью счастливой Царской невесты».

Важно

Ей удалось покорить не только сердце мужа, но и завоевать всенародную любовь. И сделать это, будучи только красивой, вряд ли было возможно. Её образ стал символом мудрой женщины, способной, как писал Дорсет, «с удивительной кротостью и умом» управлять вспыльчивым мужем.

Казалось, не было при дворе Екатерины II человека, который бы промолчал о красоте молодой фрейлины – Марии Четвертинской. Державин писал: «Черными очей огнями, грудью пышною своей она чувствует, вздыхает, нежная видна душа, и сама того не знает, чем всех больше хороша».

Кутузов шутил, что если среди женщин есть такая как Мария, то их стоит любить. Ее красота была совершенной, и как писал один из современников, «казалось невозможною».

В 16 лет она выходит замуж за князя Дмитрия Нарышкина, а спустя некоторое время становится фавориткой царя Александра I. Их отношения продлятся 15 лет. В семье Нарышкиных будет четверо детей, и только первую дочь Марину Дмитрий Львович будет считать своей (хотя, по слухам, и её отцом был бывший фаворит царицы – Платон Зубов).

Баронесса Вревская на протяжении двух десятилетий считалась первой петербуржской красавицей.

В стихотворной прозе её друг Тургенев писал, что «дамы ей завидовали, а мужчины за ней волочились».

Соллогуб говорил о её пленяющем образе, в котором очаровывала не только внешность, женственность и грация, но и «бесконечная приветливость и бесконечная доброта».

Но скуку высшего света фрейлина Вревская в 1877 году без раздумий сменила на жизнь истинную.

Совет

Во время Русско-турецкой войны она стала сестрой милосердия и посвятила себя служению ближнему, «не ведая другого счастья». В то время как высший свет злословил по поводу «экстравагантной выходки», баронесса ходила за ранеными, меняя повязки на протяжении пяти часов, спала на соломе, ассистировала при ампутациях, выносила с поля боя солдат.

Они же в феврале 78 года копали мёрзлую землю и несли гроб с телом «сестрёнки», когда во время эпидемии сыпного тифа Юлия Петровна скончалась.

«Татарская Венера» — так называл юную красавицу Париж середины XIX века.

Провинциалка из Костромской губернии покорила не только обе российские столицы, но и Европу.

Она блистала, по словам князя Оболенского, «на приморских купаньях, в Биарице и Остенде». Один из портретов кисти Франца Винтерхальтера до сих пор очаровывает посетителей парижского музея Орсе. Она соперничала с супругой Наполеона Бонапарта Евгенией, а популярности Вареньки могли бы позавидовать сегодняшние «светские львицы».

Остроумные шутки Варвары Дмитриевны передавали из уст в уста, а поклонники неустанно восхищались «прекраснейшими ногами в Европе».

Откровенные наряды звезды высшего света не раз становились причиной скандала. Однажды ее якобы попросили удалиться с бала по причине «чересчур прозрачного платья». На бал-маскарад зимой 63 года она прибыла в наряде жрицы Танит, который был сшит из газовой ткани.

Когда же очередной воздыхатель звал ее под венец, русская богиня каждый раз отвечала: «У меня муж красавец, умный, прекрасный, гораздо лучше вас».

Красота одной из богатейших аристократок России не могла оставить равнодушным. Вот как писал о своей матушке сын Феликс: «Высока, тонка, изящна, смугла и черноволоса, с блестящими, как звезды, глазами».

Обратите внимание

Великолепная внешность дополнялась острым умом, образованностью и добротой. Зная о своих достоинствах, княгиня никогда не кичилась ими, демонстрируя окружающим простоту и скромность.

Обладая лучшими в мире драгоценностями, она надевала их только по особенным случаям, предпочитая скромные платья с минимумом украшений.

Княгиня Юсупова была очень артистичной. На одном из балов государь попросил её исполнить «Русскую». Пляска покорила всех настолько, что её  вызывали на бис ещё пять раз.

Сам Станиславский уверял, что подлинное назначение Зинаиды Николаевны – сцена. Но она предпочитала выступать в роли благотворительницы, поддерживая чужой талант, а не демонстрируя собственный.

Она могла бы никогда не стать «украшением и славой русского балета», если бы не увидела танец итальянской Вирджинии Цуки.

Позднее в своих мемуарах Кшесинская напишет об «изумительной мимике, которая придавала классическому танцу необычайное очарование».

Несмотря на низкий рост и «полноватые ножки», она покорила членов приемной комиссии Императорского театрального училища «горящими глазами и очаровательными манерами».

Современники часто говорили о ее глазах: «темных, блестящих, напоминающих две сладостные бездны». Единственная на тот момент балерина, исполняющая фуэте в 32 оборота, она заставляла зал замирать от восторга. Среди поклонников балерины — будущий Николай II, а также великие князя Сергей Михайлович и Андрей Владимирович.

Ей было отпущено судьбой всего 26 лет, но за это время из необычной девочки с прекрасным аппетитом она превратилась в королеву русского немого кино с многомиллионной армией поклонников.

Впервые встретивший Веру режиссер Гардин описал ее красоту как «манящую и отравляющую» одновременно.

Чтобы «увидеть Холодную», люди выстраивались в огромные очереди. В Харькове, например, штурмовавшую кинотеатр толпу усмиряли конные драгуны, а руководству потом пришлось вставлять разбитые стекла и менять сорванные с петель двери.

Важно

Сама же актриса удивлялась такой популярности. Иногда она отправлялась на показ фильма со своим участием, чтобы понаблюдать за реакцией публики. За четыре года съемок ее глаза библейской мученицы и капризно изогнутая линия рта смогли полностью покорить публику, забывавшую в синематографах об ужасах Первой мировой и смуте 17-го.

Источник: https://russian7.ru/post/ktasota/

Записки о художниках

Франц Ксавер Винтерхальтен (1805-1873) — придворный художник Парижа и Лондона, писал портреты венценосных особ разных стран, портреты аристократии. Работал и в России.

Знаете ли вы, что судьба европейской политики часто зависела именно от этих женщин?…

Первая — дочь английского короля Генриха VIII — правила 45 лет, превратив Англию в мощную экономическую, политическую и морскую державу. Необладавшая особенной привлекательностью, она имела сильный, жесткий характер и, по ее же словам, «… в ее слабом и хрупком теле, было поистине королевское сердце!…»

«Веселая Елисавет» — так называли русскую императрицу, дочь Петра I, двадцать лет продолжавшую политику своего Великого отца.

Ни разу в жизни не нарушила она клятвы, данной перед вступлением на престол: никогда не подписывать смертных приговоров! Русский «елизаветинский стиль» — это дворцы и парки Санкт-Петербурга, Царского села, Петергофа, это сказочные балы и маскарады и… 15 тысяч платьев в гардеробе Елизаветы!

Елизавета Австрийская

О чарующей красоте третьей — супруге императора Австро-Венгрии Франца Иосифа складывали легенды. Самые сложные хитросплетения политики, самые серьезные конфликты легко решались силой ее гипнотического обаяния.

Везде, где появлялась Елизавета, все: придворные, гости, политики, забыв о светских приличиях, разглядывали ее, как произведение искусства. Персидский шах, приехавший на всемирную выставку в Вену в 1873 году, едва не выпал из зрительской ложи в Опере, когда хотел получше разглядеть императрицу.

Она же оставалась абсолютно равнодушной к ажиотажу вокруг самой себя и более всего любила уединение, путешествия и верховую езду, по праву считаясь одной из лучших наездниц своего времени…

Е.Н. Сеничина

Совет

                                                                                             Дама с веером.     1868 год.

Портрет девушки.

 Один из самых красивых и самых знаменитых портретов австрийской императрицы Елизаветы выполнил популярнейший тогда в Европе придворный художник Парижа и Лондона Франц Винтерхальтер, который написал почти всех коронованных особ и красавиц своего времени.

В 1864 году мастер, находящийся в зените славы, написал два портрета двадцатисемилетней Елизаветы, красота которой, по мнению художника, достигла совершенства.

Елизавета Австрийская

Елизавета Австрийская

Говорят, будто дамы, которых Винтерхальтер писал впоследствии, обижались на него за то, что во время художественных сеансов он то и дело с восторгом вспоминал «фантастически красивую императрицу».

Сотни парадных репрезентативных портретов, призванных украшать салоны знати, созданы работавшим во Франции немецким художником Францем Ксавером Винтерхальтером (1805—1873).

Виртуозное владение ремеслом живописца, умение создать эффект зрелищности и выгодно подать модель, скрасив тот или иной недостаток, принесли ему славу блестящего портретиста и сделали придворным художником короля Луи-Филиппа и Наполеона III.

В портрете Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой (урожденной Мергасовой), которую за ее красоту и своеобразную внешность называли в Париже «калмыцкой мадонной», Винтерхальтер, как и в остальных работах, преимущественное внимание обращает на тщательность отделки антуража:  меха, бархата, шелка, газа — в ущерб глубине и силы характеристики изображаемого человека. Впрочем, автор и не претендовал на создание психологического портрета. Главной задачей, которую он ставил перед собой и блестяще решал, было создание образа светской «львицы», блистательной красавицы. Пензенский портрет Римской-Корсаковой написан Винтерхальтером в 1858 году. Четыре года спустя он вновь обратится к этой модели, только новый портрет останется в Париже и будет экспонироваться в Лувре. Село Проказна Бессоновского района Пензенской области хранит столько тайн, что их хватит и на наших внуков.

Обратите внимание

Мало кто знает, что хозяин Проказны Александр Александрович Арапов, представитель древнейшей дворянской фамилии, был ни много ни мало крестным сыном императрицы Александры Федоровны и императора Александра II.

Читайте также:  «рыцари поневоле»: что такое мышечный панцирь? окно в мир

Но что подвигло венценосных особ на такой поступок? Об этом историки могут только догадываться.

Так же, как могут только предполагать, откуда взялось столь необычное название села. Версии о том, что сюда ссылали прокаженных, или о мордовских языковых корнях местных жителей не устраивают. Им больше нравится легенда о лихих пращурах.

Рассказывают, что еще до Араповых этими землями владела помещица Волынская, дама весьма своеобразная. Она якобы разрешала своим крестьянам грабить проезжающих по почтовому тракту.

Когда купцам удавалось проскочить опасный участок, они на радостях заказывали молебен и говорили: «Слава богу, проехали проказников». Вот вам и название села Проказна.

Калмыцкая Венера

Интересная история связана и с жемчужиной Пензенской картинной галереи — портретом Римской-Корсаковойвой кисти знаменитого французского живописца Винтерхальтера.

Известно,.что в музей в 20-е годы она попала из усадьбы Араповых. Но как она там оказалась? Ведь портрет известной московской красавицы, покорившей самого Наполеона III, хранился в Ницце. Где Ницца, а где Проказна!

                                                                                    Варвара Дмитриевна Римская -Корсакова    1858 год.

Выяснилось, что сын Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой (в девичестве Мергасовой) женился на дочери Арапова Екатерине и привез в имение жены портрет своей матери. Получается, что «калмыцкая Венера», как звали Римскую-Корсакову в Париже, и крестный сын Александра II — сватья!

Важно

Магический портрет появился в Музее одной картины. Сколько секретов скрывает необычайное по красоте полотно с изображением аристократки, пензенцы могут узнать, посетив уникальный музей.

Татарская Венера

Портрет Варвары Дмитриевны Римской-Корсаковой покинул зал французской живописи Пензенской картинной галереи. Теперь он в центре внимания -в Музее одной картины. Произведение принадлежит кисти известного немецкого художника Франца Винтерхальтера. Первые красавицы Европы выстраивались в очередь к мастеру, чтобы он запечатлел их на холсте.

Как говорят историки, любимой музой художника была «Татарская Венера» Варвара Римская-Корсакова. Мастер мгновенно влюбился в её искрящиеся глаза и написал два портрета «сердцем, а не рукой».

Загадка портрета

Может быть, сильное чувство и стало причиной, по которой портрет до сих пор так притягивает взгляды людей. Совпадение или нет, но во время открытия экспозиции неожиданно прекратился дождь, ливший с самого утра.

Портрет сделан очень талантливо, с высочайшим профессионализмом, — поделился впечатлениями директор картиной галереи Кирилл Застрожный.
-Посмотрите, насколько тонко прописаны детали и переданы оттенки. Винтерхальтер — уникальный художник. Он мог скрыть недостатки но образ вместе с тем, получался узнаваемым.

Тайка раскрыта

Впервые в музее был показан короткометражный фильм «Прикосновение к тайне», рассказывающий о судьбе картины. Его автор -пензенский журналист Лариса Трушина. Стоит отметить, что данный проект был давно задуман бывшим директором картинной галереи Валерием Сазоновым, но осуществить его он не успел — в марте нынешнего года Валерия Петровича не стало. Однако фильм всё же получил жизнь.

Съёмки проходили в селе Проказна Бессоновского района, в бывшем имении помещика Арапова. Здесь с 1881 по 1918 годы в барском

доме находился портрет Варвары Римской-Корсаковой. Каким образом это живописное полотно из Ниццы оказалось в Проказне и о многих других тайнах рассказывает кинолента пензенского журналиста.

Главные роли в фильме исполнили актёры драмтеатра Павел Тачков и Дупенко Вера.

— Спасибо всем, кто принял участие в проекте, — поблагодарила Лариса Трушина.

Ольга Скуднова.

Дева-крестьянка

Совет

Есть в картинной галерее и еще одна работа, тесно связанная как с родом Араповых, так и с Александром Сергеевичем Пушкиным, вернее с его вдовой Натальей Николаевной.
Это работа кисти Макарова «Портрет сестер Араповых». Выяснилось, что братья Араповы были женаты на родных сестрах Ланских. Но ведь именно за Ланского и вышла замуж вдова Александра Пушкина!

Гуляет по Проказне и еще одна «живописная» легенда. Говорят, что в храме Михаила Архангела Богородица — с лицом крестьянки! Бытует мнение, что иконописец, которого пригласили расписывать местную церковь, безумно влюбился в крестьянку из села Проказна Аграфену Комарову и придал Деве Марии черты возлюбленной!

Изучением истории родного села занялись ученики местной школы еще полвека назад. Благо нашлась руководитель-энтузиастка, учительница русского языка и литературы Лидия Ивановна Булычева. По ее инициативе ребята успели записать воспоминания личного камердинера Араповых Василия Семеновича Кожевникова и собрать уцелевшие подлинные фотографии. В планах — создать музей села.

Прототип героини

Но сама Лидия Ивановна тоже уникальный «экспонат». Много лет назад тогда еще совсем молодая учительница стала прообразом героини рассказа Николая Почивалина «Оскомина».

Проказна до сих пор хранит много тайн. Но разгадать их одним школьникам не под силу. Начальник управления образования Бессоновского района Александр Воронков уверен, что без помощи будущих историков из педагогического университета не обойтись. И приглашает их на летнюю практику.

Марина СЕРГЕЕВА

Источник: http://babanata.ru/?p=9703

Портреты с шиком: Картины художника, к которому выстраивались в очередь все аристократки Прекрасной эпохи —

Портреты дам Прекрасной эпохи кисти Джованни Болдини.

Итальянский живописец Джованни Болдини считается одним из лучших портретистов Прекрасной эпохи. К нему всегда выстраивалась очередь. Женщины готовы были ждать по много месяцев, лишь бы заполучить заветный портрет. Самого же Болдини называли «мастером шика», столь эффектно изображавшим дам в загадочных вуалях и с летящими подолами платьев.

Джованни Болдини — итальянский портретист.

Будущий портретист родился в 1842 году в семье художника. Его отец в основном занимался живописью на религиозную тематику, поэтому Джованни с детства был на подхвате у родителя. Интерес к живописи художник проявил довольно рано. Лучше всего ему удавалось изображать людей. Первые самостоятельные портреты Джованни Болдини написал в 14 лет.

Черная лента. Джованни Болдини, ок. 1905 г.

Маркиза Луиза Казати со своей борзой. Джованни Болдини, 1908 год.

Видя талант сына, отец отправил Джованни Болдини учиться в Флорентийскую академию художеств. После окончания обучения молодой художник отправился колесить по Европе. Он завел немало знакомств с признанными живописцами и художниками-новаторами. Импрессионизм Эдуарда Мане и Эдгара Дега повлиял на манеру создания картин Болдини.

Портрет Элизабет Уортон Дрексель. Джованни Болдини, 1905 год.

Портрет леди. Джованни Болдини, 1912 год.

Портрет графини Габриэлы де Расти. Джованни Болдини

Портрет Анны Элизабет Хансен. Джованни Болдини.

Обратите внимание

Картины итальянца были коммерчески успешными. Дело в том, что он прекрасно сочетал натуралистичное изображение лица с нарядами, написанными в манере импрессионизма.

Таким образом, обладательницы портретов от Болдини могли представать эдакими ценительницами прогрессивного искусства и, вместе с тем, любовались своими прекрасными лицами, не искаженными «передовыми тенденциями» в живописи.

Женщины обожали Болдини. Они готовы были ждать по несколько месяцев, лишь бы получить свой портрет.

«Сеньора в розовом». Портрет Эмилии Конча де Фонтечилла. Джованни Болдини, 1918 год.

Леди в черной шляпке. Джованни Болдини, 1898 год.

Портрет Лины Кавальери. Джованни Болдини, ок. 1901 г.

За несколько лет до своей кончины постаревший Джованни Болдини уже ничего не писал, однако его картины популярности не теряли. В 1929 году, когда художнику было 86 лет, о нем заговорили даже те, кто был далек от искусства. Старик женился.

Журналистка Эмилия Кардона была на 56 лет младше своего избранника. Ради Болдини женщина развелась с мужем. На свадебной церемонии Болдини сказал: «Это не моя вина, что я такой старый, но это случилось со мной и случилось все сразу».

Болдини не стало через два года после заключения брака.

Портрет Марты де Флориан. Джованни Болдини.

Картины Джовани Болдини до сих пор стоят баснословных денег. В 2010 году всех потрясла находка портрета актрисы начала ХХ века Марты де Флориан. На торгах он ушел с молотка почти за 3 миллиона евро.

Источник

Источник: https://milohka.ru/polezno/portrety-s-shikom-kartiny-xudozhnika-k-kotoromu-vystraivalis-v-ochered-vse-aristokratki-prekrasnoj-epoxi.html

Франтишек (Франсуа) Купка

Крупнейший художник-абстракционист чешского происхождения, большую часть жизни проведший во Франции, представитель орфизма и один из основоположников абстракционизма.

Юность в провинции

Франтишек родился в Опочно в 1871 году.  Его родителями были Жозефа Шпачкова и Вацлав Купка, помощник местного нотариуса. Жили бедно: уже в 13 лет мальчику пришлось отправиться на заработки.

Он трудился подмастерьем у шорника в Дорбушке, а затем у специалиста, занимающегося изготовлением магазинных вывесок.

В возрасте 14 лет Купка попал на обучение к седельных дел мастеру Жозефу Шишке, практикующему спиритизм и возглавляющему тайное оккультное сообщество.

Важно

С детства Купка хотел посвятить себя искусству, его вдохновляла барочная архитектура Восточной Богемии, где он рос, и скульптуры Матиаса Брауна. В Дорбушке обзавёлся меценатом в лице мэра города, Архлеба, от которого он получил первый в жизни заказ.

Архлеб (также, к слову, увлекавшийся спиритизмом) помог Купке поступить в Художественно-промышленное училище в Яромеже в 1888 году. Однако уровень образования в провинциальных заведениях Чехии конца XIX столетия оставлял желать лучшего.

В 1889 году студент попал в мастерскую Франтишека Секвенза, придерживающегося устаревших идей движения назарейцев – живописцев, возрождающих традиции средневековья и раннего Возрождения.

Тем не менее, их тяга к геометризации форм и пренебрежение реализмом позднее нашли отражение в работах будущего авангардиста.

Эволюция художника

В период с 1889 по 1891 гг. Купка учился живописи в Академии изобразительных искусств в Праге, его преподавателем вновь оказался назареец. В столице художник зарабатывал на жизнь, выступая в качестве медиума – пригодились наставления Шишки.

Окончив учебное заведение, где он преимущественно писал полотна на исторические и патриотические темы, абитуриент переехал в Вену, где поступил в местную академию искусств на ту же специальность.

В Австрии Купка стал постепенно отходить от реалистической традиции и увлёкся символизмом (в частности – Одилоном Редоном и Альфонсом Муха), а также восточной философией и теософией. В Вене он впервые получил крупный заказ – так появилась фреска «Последний сон умирающего Гейне».

После того, как на молодого художника обратила внимание сама императрица Елизавета, на него посыпались заказы от австрийской аристократии. Купка смог познакомиться со своим кумиром, художником-символистом Карлом Дифенбахом.

В 1895 году художник отправился в Париж, где в то время кипела культурная жизнь и куда стекались энтузиасты со всей Европы. Здесь «Франсуа», как его звали на французский манер, посещал Школу изящных искусств и брал уроки в Академии Жюлиана, славящейся атмосферой свободомыслия (среди прочего – несмотря на запреты в ней обучались женщины).

Поначалу Купка подрабатывал тем, что сотрудничал с прессой под псевдонимом Поль Реньяр. Он много иллюстрировал газеты и журналы («Кокорико», «Илюстрасьон» и др.), рисовал афиши для шансонье и всевозможные плакаты, оформлял книги (самая известная – «Человек и замля» Ж.Ж.Э.Реклю). Работы того периода отмечены едкой социальной критикой.

Его циклы «Деньги», «Мир» и «Золото», созданные для журнала «Assiette au beurre» обличают человеческую жестокость и социальную несправедливость. Он также проектировал наряды и давал уроки академического рисунка модисткам.

Совет

Ещё в Вене Купка познакомился с модельером датского происхождения Марией Брун – она долгое время поддерживала художника финансово, пока не скончалась от рака.

Читайте также:  Почему в россии все делается через задницу и как этого можно избежать?

В 1906 году Купка переехал в Пюто, где поселился по соседству с Жаком Вийоном (псевдоним Гастона Дюшана) и сдружился с братьями Дюшан Несколько лет спустя он стал членом их художественной группы, названной в честь города – «Пюто» (Groupe de Puteaux). Помимо них в группу входили такие выдающиеся авангардисты, как Р.

Делоне и его супруга София Делоне-Терк, Альбер Глез, Хуан Грис, Фернан Леже, Константин Бранкузи и Жан Метценже. Художники были увлечены кубизмом, но старались дистанцироваться от Пикассо и Брака, коих объявили в своём манифесте «галерейными кубистами».

Оказавшись в кругу пионеров абстрактного искусства, Купка окончательно порвал с фигуративной живописью, отказался от какого бы то ни было сюжета и использования аллегорий или символов. Он поставил своей целью решение исключительно формальных задач.

Теперь художник всецело погружается в абстрактное искусство; его полотна создают иллюзию движения (причём чаще всего это движение по кругу или спирали), обладают собственным музыкальным ритмом.

Его моделью и музой долгое время была Габриэлла с Монмартра. После разрыва с ней в 1904 году, Купка познакомился с Евгенией «Нини» Строб. Последняя бросила ради художника семью, и спустя шесть лет они поженились. Нини позировала для большинства картин Купки и активно защищала его от нападок критиков.

Работы Купки периода 1907-1910 гг. – и в первую очередь серия «Жиголетты» – были охарактеризованы искусствоведами как «дикие». Действительно, в них заметно влияние фовизма, так называемого «искусства диких», характеризующегося буйством красок.

Художник приступил к исследованию симультанности, активно проповедуемой футуристами всех мастей. Принцип симультанности (от фр. «simultané» – одновременный) состоит в единовременном сочетании различных моментов движения в рамках одной картины. Купка также углубился в изучение архаики, крито-микенской живописи и архитектуры.

Обратите внимание

Он стал экспериментировать с цветом и формой, разлагая последнюю на составные части.

В 1909 году в журнале «Фигаро» был издан «Манифест футуризма» Филиппо Маринетти. Он произвёл колоссальное впечатление на художника и послужил толчком к очередному стилистическому повороту в его творчестве.

Его работа «Клавиши пианино, или Озеро», вышедшая несколькими месяцами позже, отмечает этот переломный момент.

В ней отражено стремление автора слить воедино живопись и музыку, это стремление вскоре привело его к принципиально новому течению в авангардизме – орфизму.

Орфизм

«Пюто» наделала много шума на знаменитой выставке в Салоне Независимых в 1911 году. Однако уже годом спустя от неё откололась группировка «орфических кубистов», воспевающих новейшее направление в искусстве – орфизм. 

Орфизм (от фр. Orphisme, от «Orpһée» – Орфей) был одним из важнейших, хотя и достаточно быстро исчерпавших себя течений в абстракционизме. О нём было заявлено во всеуслышание на выставке Робера Делоне в 1912 году в Париже. Название было придумано поэтом Гийомом Аполлинером; оно должно было ассоциироваться с прамузыкой и прапоэзией.

Ассоциации с мифическим поэтом Орфеем, способным своей музыкой приводить в движение камни и усмирять морские волны, выстраивались осознанно. Художники, составившие движение, стремились к созданию «абсолютной живописи», к обновлённой, чистой реальности цвета и ритмике форм.

Абсолютная живопись, с их точки зрения, должна была быть беспредметной, подобной музыке, которую они признавали абсолютным искусством. Так, Делоне создавал цветовые конструкции, используя спектральные цвета, сочетая концентрические круги, арки и т.п.

На Осеннем салоне 1912 года в Париже Купка выставил свои программные работы в духе орфизма: «Цветовые круги Ньютона», «Вертикальные планы» и «Фугу в красном и синем цвете». Критика приняла их в штыки, а публика откровенно потешалась. Сегодня некоторые искусствоведы считают «Фугу…» первой абсолютно абстрактной картиной. 

Орфисты в скором времени объединились в сообщество по организации выставок «Золотое сечение» («La Section d’Or»), чьё название отсылает к древнейшей традиции научных исследований, связанных с искусством. Просуществовало оно совсем недолго – до 1914 года.

Зрелые годы

С началом Первой мировой войны Купка отправился добровольцем на фронт, хотя ему было уже за сорок. Он вступил в чешский легион во Франции в компании со скульптором Оттоном Гуттфрейндом.

Купку направили на Сомму (река на севере Франции), где проходила крупная наступательная операция. Сотоварищем художника стал известный писатель Блез Сандрар. В скорости пожилой живописец получил обморожения и был демобилизован.

Вернувшись в Париж, он возглавил чешскую диаспору и народное ополчение.

Поначалу он рисовал военные плакаты, эскизы мундиров и медалей, но вскоре вновь отправился на фронт – на сей раз вместе с земляками. К концу войны художник дослужился до звания капитана. 

Важно

После окончания Первой мировой Купка стал профессором Пражской художественной академии.

В 1919 он получил почётное членство в чешском художественном товариществе Manes, где ранее уже выставлялся. В Праге судьба свела живописца с известным промышленником и коллекционером абстрактного искусства Джиндричем Вальдесом. Джиндрич стал его меценатом.

Однако мечтой Купки была должность профессора в Пражской академии – он сумел добиться её лишь в 1922 году, но пробыл на посту совсем недолго и был уволен со скандалом.

Абстракционист дискредитировал на своих лекциях по психологии искусства академическую живопись и классическое образование.

Его собственное искусство чешская публика воспринимала с прохладой – если не сказать с пренебрежением. При этом во Франции, где постоянно проживал художник, он навсегда остался чужестранцем.

В 1923 году в Праге вышла книга теоретических изысканий Купки «Творчество в изобразительных искусствах», написанная им ещё в 1910-м. Эта работа по сей день является одним из важнейших трудов об абстрактном искусстве.

В 1924 году супруга Нини организовала ретроспективную выставку в парижской галерее Galerie la Botie. Она имела неожиданный даже для поклонников художника успех. Следующий всплеск интереса к Купке возникнет только в 1930-е гг.

Это десятилетие отмечено увлечением техникой. В работах художника этого периода безошибочно угадываются всевозможные поршни, передачи, валы и шатуны.

Совет

При этом цветовая палитра сводится к минимальному наборы самых сдержанных красок – чёрный, белый, серый, бежевый.

В 1931 году Купка вошёл в состав группы «Abstraction – Creation» («Абстракция – Творчество»). Её члены писали минималистичные композиции из геометрических фигур, отдалённо напоминающие холодные и выверенные работы Мондриана. Однако не стоит видеть в этом сходстве простое подражание.

Искусствовед Людмила Вахтова объясняет напрашивающиеся параллели следующим образом: «Купка также искал визуальный эквивалент универсальной правды, и оба художника понимали геометрию как геометрическую науку, в которой цифры не являются только лишь инструментом соответствующего подсчёта, но и представляют абсолютный интеллектуальный смысл».

В 1936 году директор Музея современного искусства в Нью-Йорке заинтересовался чехом и приобрёл три его картины для выставки «Кубизм и абстрактное искусство» в США.

Теоретическая основа живописи Купки

Купка выдвинул свою собственную теорию цвета, предложив принципиально новый способ расположения цветов по кругу.

Его вдохновили труды философа Анри Бергсона, исследования Исаака Ньютона, а также система химика-органика Мишеля-Эжена Шеврёля, представленная в его работе «Принципы симультанного контраста цветов» (1839).

Последняя, в целом, оказала колоссальное влияние на абстракционистов вообще и орфистов в частности. У Ньютона Купка позаимствовал идею о соответствии спектральных цветов семи нотам музыкальной октавы: до – красный, ре – фиолетовый, ми – синий и т.д.

Купка любил давать своим полотнам соответствующие названия: «Фуга в двух цветах» (1911-1912), «Ноктюрн» (1913) и др… Сам он писал о музыке, что она «является замечательным стимулом для художника-колориста (…), поскольку прослушивание музыкального сочинения вызывает в зрительной памяти каждого различные образы». А абстрактный цвет, с его точки зрения, должен был вызвать у зрителя столь же глубокие чувства, что и музыкальное произведение. Музыка разворачивается во времени, а пластические искусства – в пространстве, однако все они имеют точки соприкосновения.

Критика называла метод художника «музыкализмом», сам он предпочитал термин com penetration – «слияние». «Ноктюрн» был его первой нон-фигуративной работой – на её создание живописца предположительно вдохновила музыка Иоганна Себастьяна Баха.

Произведение искусства рассматривалось Купкой и другими орфистами как «самостоятельная художественная реальность, в которой действуют собственные законы, аналогичные законам космической гармонии и проявляющие себя в системе музыкальных и цветовых интервалов».

В своей теоретической работе «Творчество в изобразительном искусстве» он обосновал свою точку зрения по вопросу предназначения художника. Художник должен искать зримые эквиваленты животворящих сил вселенной; ему следует изображать «другую реальность».

Обратите внимание

Купка искренне удивлялся, зачем реалистично рисовать деревья, если зрители видят более красивые по пути на выставку? «Природа все время меняется, её суть – в метаморфозах, – писал он, – Поэтому беспредметная картина воспроизводит жизнь точнее, чем самая верная реалистичная живопись».

При этом, как и многие парижане, он испытал влияние фотографической революции: изобретение хронофотографии и кукольной анимации подвигло многих художников той эпохи на исследование пространственно-временных отношений на плоской поверхности холста.

Стоит отметить, что, пройдя путь от реализма к абстракционизму, Купка последовательно отказывался идентифицировать себя с одним конкретным направлением: недолгим был его союз с кубистами, ещё более кратковременным было увлечение орфизмом.

Рамки какого бы то ни было направления оказались тесными для художника-визионера, и в течение всей жизни он подолгу оставался одиночкой. Вдобавок ко всему, его картины достаточно трудно интерпретировать даже современным искусствоведам.

Интересен тот факт, что для создания многих своих работ Купка использовал микроскоп или телескоп. В письме от 1921 года он заметил: «Источник формальных ассоциаций можно найти где угодно: под микроскопом, в нью-йоркских небоскребах или в астрономической обсерватории».

Он увлекался физикой (оптикой и механикой), астрономией, химией, биологией; регулярно посещал лекции в Сорбонне и даже работал в местной лаборатории. Научный позитивизм, по его мнению, может косвенно помочь многое прояснить в искусстве. Он считал науку и искусство двумя видами познания, которые имеют точки соприкосновения и которые влияют друг на друга.

Вероятно, во многом благодаря этому ему удалось сломать стереотипы визуального восприятия. Купка искренне полагал, что, если сделать биологию и физиологию обязательными для изучения художниками, искусство сбросит оковы традиций и предрассудков. Его радикальный, возведённый в абсолют абстракционизм далеко не сразу был принят парижской публикой и по достоинству оценен критикой.

Над его «Тёплой хроматикой» посмеивались даже его коллеги-единомышленники: «Мы знакомы с тёплым чаем, но не с тёплой хроматикой».

Эксцентричными для своего времени были не только творческие изыскания Купки, но и его поведение. Художник был вегетарианцем, возможно даже веганом, и старался вести максимально здоровый образ жизни, но в то же время до конца своих дней тщетно боролся с манией преследования.

Признание первопроходца авангарда

Всю Вторую мировую войну постаревший Купка провёл в кругу любящей семьи в доме Нини в Боженси на Луаре. Художник приводил в порядок пошатнувшееся здоровье и много отдыхал. В 1946 году группа «Manes» устроила масштабную ретроспективную выставку в Праге, приурочив её к 75-летию живописца.

Чешское правительство приобрело несколько работ мастера. За ретроспективой последовали Салоны новых реальностей (Salons des Realites Nouvelles) во Франции и персональные выставки в США (в Нью-Йорке). Подлинное международное признание пришло к художнику в начале 50-х годов, незадолго до его смерти.

Франтишек Купка скончался в 1957 году в Пюто. Стараниями вдовы художника Национальный музей современного искусства в Париже согласился открыть постоянную экспозицию его работ. Кроме того, состоялась посмертная выставка.

Важно

В то же время важнейший теоретический труд Купки «Творчество в изобразительных искусствах» был издан во Франции лишь в 1988 году.

Сегодня изощрённые многоцветные полотна, равно как и теоретическое наследие художника, считаются одной из вершин искусства XX столетия. Наряду с Василием Кандинским, Питом Мондрианом и Казимиром Малевичем Франтишек Купка официально признан пионером абстрактной живописи.

Источник: http://sovremennoe-iskusstvo.ru/hudozhniki/frantishek-kupka/

Ссылка на основную публикацию