Музыка романтизма: какой она была? ирландско-русский романтик и алексей верстовский

Верстовский и «Аскольдова могила» Загоскина (русский музыкальный театр эпохи романтизма)

А. Н. Верстовский – биография (1799–1862)

Русский композитор-романтик и театральный деятель. Родился в имении Селиверстово (Тамбовская губерния) 18 февраля (1 марта) 1799 в дворянской семье. В доме Верстовских всегда царила атмосфера поклонения музыке, искусству. Часто устраивались домашние концерты. Алексей с ранних лет приобщался к музыке, которая впоследствии стала делом его жизни.

С 8 лет юный музыкант успешно выступал как пианист в любительских концертах, с 10 лет он исполнял сложные фортепианные произведения: соль-минорный концерт Дюссека, рондо Фильда.

В 11 лет, уже живя с родителями в Уфе, Алексей сочинял вальсы, писал песни, пьесы для фортепиано, в 16 лет юный композитор ко дню ангела отца Николая Алексеевича 9 мая 1815 года сочинил музыку к двум народным песням «Ах, что же ты, голубчик” и «Покажися, месяц ясный”.

Обратите внимание

Но, как видим из дальнейшего, всё это не убедило отца, и Алексей по его настоянию в 1816 году поступил в Петербургский институт инженеров путей сообщения. Через год его отчисляют для определения по другому ведомству. Почему? Да потому, что точные науки мало интересовали Верстовского, его призванием, его огромной любовью была музыка.

В Петербурге Верстовский продолжал заниматься музыкой, брал уроки у самых известных педагогов. Там же он увлёкся театром.  Алексей Николаевич выступал в роли певца, поражая слушателей своим очаровательным голосом, дебютировал как автор музыки к театральным представлениям, играл комедийные и драматические роли в любительских домашних театрах.  В 1817 году А.Н.

Верстовский впервые выступил как переводчик текстов французских водевилей, и как автор музыки, написал интермедию-дивертисмент «Сентиментальный помещик в степной деревне”. Верстовский также продолжал сочинять музыку для водевилей.

Одним из наиболее удачных в его наследии музыковеды считают водевиль «Дом сумасшедших, или Странная свадьба”(1822), где он выступил в роли либреттиста, переработав французский текст.

В 1833 экстерном окончил Московский университет. С ранней молодости был увлечен театром: писал и переводил либретто водевилей, участвовал в любительских спектаклях, сочинял музыку к театральным представлениям.

В течение почти трех десятилетий Верстовский находился во главе всей театральной жизни Москвы, поскольку оперная и драматическая (а также балетная) труппы тогда не отделялись друг от друга. Тесные дружеские отношения связывали Верстовского со славянофильским кружком (С.Т.Аксаков, М.Н.Загоскин, С.П.Шевырев и другие).

В 1823 году молодой композитор переехал из Петербурга в Москву, где был зачислен на службу в Канцелярию князя Голицына, и сразу включился в театральную жизнь столицы.

Затем началась административная деятельность Верстовского: служит в Дирекции Московских театров инспектором музыки, а с 1830 года — инспектором репертуара, с 1848 года — управляющим конторой Дирекции Императорских Московских театров.

Важно

Повседневная занятость службой в театре не отразилась на композиторской деятельности Верстовского, продолжавшего сочинять водевильную музыку. В.Г. Белинский, давая оценку его водевильной музыке, писал: «Музыка куплетов принадлежит г.

Верстовскому — и не надо быть знатоком музыки, чтобы с первых же звуков заметить, что это не обыкновенная музыкальная болтовня, без смыслу, а что-то одушевлённое жизнию сильного таланта”. В создании произведений подобного жанра (а их частично с другими композиторами около 40) Верстовский был выдающимся мастером и первоклассным художником.

О музыке композитора на протяжении двадцатилетнего водевильного периода его творчества в рецензиях, мемуарах, письмах было много восторженных слов.  В театрально-музыкальном творчестве А.Н. Верстовского высокого уровня достигли и другие жанры.

Например, баллады, которые композитор называл драматическими кантатами (или «лирическими сценами”), с использованием декораций, костюмов и соответствующей сценической игрой («Три песни скальда”, «Бедный певец”, «Певцы во стане русских воинов” и др.).  Заметное место в творчестве композитора занимают вокальные произведения — песни-баллады и романсы, полные драматизма и романтической страсти. Его лучшие романсы широко вошли в обиход и распевались во всех уголках России. Это песня «Колокольчик” на слова Ф.Н. Глинки, романс «Не говори ни да, ни нет” на слова Н.Ф. Павлова, романс «Чёрная шаль” на слова А.С. Пушкина. Особую популярность приобрела знаменитая цыганская песня Земфиры «Старый муж, грозный муж” из поэмы А.С. Пушкина «Цыганы”.

 В 1819 в петербургском Большом театре была поставлена первая опера-водевиль Верстовского Бабушкины попугаи по пьесе Н.И.Хмельницкого (1789–1845); всего же им в течение жизни была написана музыка более чем к тридцати спектаклям, в том числе к 25 операм-водевилям, оригинальным и переводным.

В 1823 переехал в Москву, в 1825 был назначен инспектором музыки, в 1830 – инспектором репертуара Московских императорских театров, а в 1848–1860 – управляющим конторой дирекции.

Многочисленные служебные обязанности он совмещал с постоянной композиторской деятельностью: кроме музыки к драматическим спектаклям и водевилям, Верстовский создал шесть опер, многочисленные вокальные произведения – романсы, баллады, кантаты и проч.

, среди которых выделяются кантата Певцы во стане русских воинов на стихи Жуковского (1827) и весьма популярная в свое время баллада для голоса с оркестром Черная шаль на стихи Пушкина (1824).

Первая опера Верстовского, Пан Твардовский на либретто Загоскина, была поставлена в Большом театре в 1828; за ней последовали Вадим, или Пробуждение двенадцати спящих дев (по балладе Жуковского, 1832), Аскольдова могила (по Загоскину, 1835), Тоска по родине (по Загоскину, 1839), Чурова долина, или Сон наяву (по пьесе В.И.

Совет

Даля, 1844), Громобой (по балладе Жуковского, 1857). Все они пользовались успехом, и отдельные номера из них становились популярными, но в историю музыки Верстовский вошел как автор одной оперы –Аскольдовой могилы, которая постоянно шла на российских сценах в течение столетия и до сих пор изредка появляется в репертуаре. Все оперы Верстовского написаны по типу зингшпиля – формы, в которой музыкальные номера сочетаются с разговорными сценами и речитативами на музыке; ряд номеров из его опер вошел в городской фольклор.

С именем А.Н. Верстовского связано романтическое направление отечественной оперы. Свои взгляды на развитие этого жанра и формирование эстетических идеалов композитор изложил в статье «Отрывки из истории драматической музыки”.

 Первая опера Верстовского «Пан Твардовский” на стихи польского поэта А. Мицкевича впервые была поставлена в 1828 году (180 лет назад) на сцене Московского театра, об историческом значении которой современники писали: «Это наша, это первая русская опера…”, «…музыка г.

Верстовского — превосходна!”.  Второй романтико-легендарной оперой стала «Вадим, или Пробуждение двенадцати спящих дев” (1832) на слова В.  Жуковского.

Об этой опере рецензенты писали: «Мы не стыдимся сказать, что наслаждались от всей души родными звуками… Они обворожительны для русского уха… Здесь звучат русские струны, заливается русская душа”.

Через три года Верстовский создал одно из самых высших достижений композиторской школы — оперу «Аскольдова могила”.  Её премьера состоялась в Большом театре 16 сентября 1835 года.  Успех был ошеломляющий.

Это единственная опера доглинкинской поры, которая сохранилась в репертуаре до первой мировой войны. Она ставилась не только в столичных театрах, но и в Тифлисе, Киеве, Риге, Нью-Йорке. Верстовский продолжает писать музыку и дальше.

Он создает еще три оперы, но большого успеха они уже не имели, сказочная опера отходит на второй план, ее место занимают произведения реалистического характера. За отличие в государственной службе действительный статский советник Верстовский был награжден орденами Св. Владимира 2-й степени, Св.

Обратите внимание

Анны 2-й степени, Св. Станислава 2-й степени, медалью «В память войны 1853 — 1856 гг.” и знаками отличия за безупречную службу. Умер Верстовский в Москве 5 (17) сентября 1862.

Тридцатипятилетняя театральная и композиторская деятельность Алексея Николаевича Верстовского в московских театрах названа «эпохой Верстовского”. Известный композитор, музыковед А.Н. Серов дал меткую характеристику творческой и музыкально-театральной деятельности А.Н.

Верстовского, «призванного проложить оперной русской музыке прямой путь к истинной народности”. И хотя сейчас редко можно слышать произведения Верстовского, но как сказал композитор, академик Б.В. Асафьев: «Музыка Верстовского ещё будет жить, у неё счастливая судьба”.                                           Е.

СТРЕБКОВА, директор музея им. А.Н. Верстовского.

Алексей Николаевич Верстовский   «Аскольдова могила»

Автор: Алла Кострыкина   Журнал Стиль&Дом, №3/2004

Всем, кто хоть раз бывал в Киеве, знакомо место на склоне Днепра, где расположен историко-мемориальный памятник Аскольдова могила.

В настоящее время это действующая православная церковь, куда приходят и верующие, и туристы.

Не грешно было бы наведаться и ценителям оперного искусства, ибо именно так — «Аскольдова могила» — называется опера Алексея Николаевича Верстовского, произведение во многом уникальное и замечательное.

Почти двести лет назад Николай Васильевич Гоголь писал: «Что для Украины музыка, пение?.. И поэзия, и история, и отцовская могила».

История украинской музыки исчисляется более чем тысячей лет, и день нынешний — отнюдь не конец ее пути: музыка, как и язык, развивается до тех пор, пока живо ее звучание.  Еще в Киевской Руси сформировался своеобразный тип профессиональных актеров и музыкантов, именовавшихся скоморохами.

Важно

Их мастерство родом из тех времен, когда творчество тесно связывалось с языческими культами и обрядами. Скоморохи выступали при дворах князей, в боярских вотчинах, перед народом, кочуя с место на место. Казалось бы.

зачем, говоря о классическом произведении оперного искусства, углубляться в такую седую древность? Именно в тех скоморошьих Алексей Верстовский нашел благодатный материал для прекрасного произведения, ставшего жемчужиной современного оперного искусства.

В 1835-м в Москве состоялась постановка лучшей оперы композитора. В течение десятка лет она не сходила со сцен столичных и провинциальных театров царской России.

Либретто к «Аскольдовой могиле» Верстовского написал писатель Загоскин.  Действие происходит в Киеве, в пору борьбы христианства с язычеством.

Реальные исторические события переплетаются с вымыслом, бытовые сцены чередуются с фантастическими эпизодами.

Фабула оперы такова. Юного Всеслава, потомка-Аскольда, в свое время убитого предками правящего князя Святослава. таинственная личность — в опере Неизвестный — призывает к мести и борьбе за княжеский престол. Методы борьбы, отработанные технологии свежи и актуальны, пользуются популярностью и сегодня: обман, похищение, чтобы вызвать ненависть к Святославу.

Неизвестный помогает людям князя похитить возлюбленную Всеслава Надежду. Добро и зло всегда рядом.  Скоморох-добряк Тороп, шут и балагур, вместе со Всеславом освобождают пленницу.  Отвлекающий маневр — песня-баллада «Близко города Славянска, на верху крутой горы знаменитый жил боярин по прозванью Карачун…

» Рассказ соответствовал тому, что происходило на самом деле в глубине сцены, за спиной зазевавшихся слушателей — княжеских стражников: колдунья Вахромеевна, занятая варкой зелья, которое должно было отравить пол-Киева, «проворонила» девицу Надежду. Беглецов преследуют… Но у их скитаний счастливый конец — примирение со Святославом и законный брак, интриган Неизвестный тонет в волнах Днепра.

Счастливая концовка, не совпадающая с развязкой романа, была данью существовавшим на то время оперным условностям.

Совет

Сюжет «Аскольдовой могилы» не отличается особой значительностью, но опера долгие годы радовала слушателей. Основной причиной популярности была музыкальная драматургия. Выдающийся критик Серов писал: «В Верстовском есть легкость, веселость, живость, разнообразие. ловкость распоряжаться сценой».

По сей день завораживает песня-дума из первого действия «Гой, ты, Днепр».  Воспроизводя отдаленную эпоху, композитор опирался на современные виды музыкального искусства.

Умелое использование разнообразных инструментальных красок позволило создать в опере ряд ярких, живописных картин и усилить выразительность музыки.

Написанная всего за год до появления «Ивана Сусанина» Глинки, «Аскольдова могила стала крупнейшим явлением оперной культуры доглинковской поры. В опере Верстовского «развернулось все дарование композитора, призванного проложить. ..  музыке прямой путь к истинной народности», — писал Стасов.  Композитору удалось создать своеобразный общеславянский колорит.

Он мастерски использовал хоры а‘саре11а, ввел молитвенный хор христиан и, не стремясь воспроизвести характер подлинных древнеправославных песнопений, дублировал хор оркестром; применил танцевальные ритмы мазурки и полонеза, типичные для польской музыки; «Заходили чарочки по столику» — удалая песня Торопки с хором — напоминает лихую, зажигательную песню-пляску цыган…

  Далеко не все персонажи оперы очерчены музыкально выразительно. Почти лишен музыкального образа главный герой Всеслав, и, наоборот, ярко, полно, эмоционально «выписан» образ чистой мечтательной девушки Надежды.

Замечательный интерес в музыкальной драматургии представляет туманно-романтическая фигура Неизвестного, поскольку это один из ранних образов большой арии в истории русской оперы.

Алексей Николаевич Верстовский, как всякий первооткрыватель, основатель школы, еще не владел тем высоким мастерством отбора музыкальных средств выражения, который помогает композиторам, идущим за ним, безошибочно находить необходимые для каждого образа и любого психологического состояния интонации в безгранично богатом языке музыки.

Обратите внимание

Все, что показал композитор в опере «Аскольдова могила», было непосредственным отражением современной музыкальной практики и вкусов образованной публики. За это его и любили.

Широко распространенный в быту музыкальный материал стал основой для развернутых, полных движения оперных форм нового типа, а восхождение, путь, как учит жизнь, часто тернист, опасен, но тем и прекрасен.

Алексей Николаевич Верстовский (1709-1862) принадлежит к числу выдающихся композиторов первой половины XIX века. Он внес значительный вклад в историю музыки, поскольку был создателем русской романтической оперы.

  Детство, проведенное в размеренной и спокойной атмосфере фамильной усадьбы, способствовало тому, чтобы мальчик стал разносторонним, образованным человеком.

 Он много читал, а музыкальные впечатления — у Верстовских сипами крепостных музыкантов исполнялись произведения Гайдна, Моцарта и другие — содействовали раннему развитию музыкальных способностей.

Проучившись в петербургском Институте инженеров путей сообщения, Верстовский-юноша все свои интересы сосредоточивает на музыке: уроки фортепьяно берет у знаменитого маэстро Дж. Филда, изучает теорию музыки, обучается пению и игре на скрипке, параллельно посещает кружок литераторов, актеров, музыкантов, возглавляемый драматургом А. Шеховским.

Читайте также:  Где грань между человеком и киборгом?

  В 1823 году Верстовский переезжает из Петербурга в Москву, в эпицентр культурной жизни. Здесь он не только предстает перед публикой как музыкант, но и как великий организатор и большой общественный деятель.

Долгие годы он осуществлял руководство музыкально-театральной жизнью столицы, был режиссером, наставником, воспитателем, он открыл музыкальные классы, готовившие оркестрантов. Вся творческая, педагогическая деятельность этого замечательного человека была направлена на повышение профессионализма, актерского мастерства, на воспитание вкуса, чувства ответственности за морально-этический облик артиста.  Он прожил удивительную земную жизнь, и все, к чему прикоснулся, сегодня, в XXI веке, проросло. Композиторский стиль Верстовского определяется многими составляющими, но главное — это любовь, глубокие знания и преданность избранному делу.

Источник: http://transcendentic.ucoz.ru/publ/verstovskij_i_quot_askoldova_mogila_quot_zagoskina_russkij_muzykalnyj_teatr_ehpokhi_romantizma/1-1-0-92

Романтизм в музыке

Музыка заняла особое место в эстетике романтизма. Она была объявлена образцом и нормой для всех областей искусства, поскольку в силу своей специфики способна наиболее полно выразить движения души. «Музыка начинается тогда, когда слова заканчиваются» (Г.Гейне).

Музыкальный романтизм как направление сложился в начале XIX века и развивался в тесной связи с различными течениями в литературе, живописи и театре. Начальный этап музыкального романтизма представлен творчеством Ф. Шуберта, Э. Т. А. Гофмана, К. М. Вебера, Н. Паганини, Дж. Россини; последую­щий этап (1830–50-е годы) – творчеством Ф.

Шопена, Р. Шумана, Ф. Мендельсона, Г. Берлиоза, Ф. Листа, Р. Вагнера, Дж. Верди. Поздний этап романтизма простирается до конца XIX века. Таким образом, если в литературе и живописи романтическое направление в ос­новном завершает свое развитие к середине XIX столетия, то жизнь музыкального романтизма в Европе гораздо продолжительнее.

Важно

В музыкальном романтизме, так же как в других видах искусства и литературе, противопоставле­ние мира прекрасных, недостижимых идеалов и пронизанной духом мещанства и филистерства повседневности породило, с одной стороны, драматическую конфликтность, господство трагических мотивов одиночества, безысходности, скитальчества и т. п., с другой – идеализацию и поэтизацию далёкого прошлого, народного быта, природы. Перекликаясь с душевным состоянием человека, природа в творчестве романтиков обычно окрашивается чувством дисгармонии.

Подобно другим романтикам музыканты были убеждены в том, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум: «разум заблуждается, чувства – никогда» (Р. Шуман).

Присущий романтической музыке особый интерес к человеческой личности выразился в преобладании в ней личного тона.

Раскрытие личной драмы нередко приобретало у романтиков оттенок автобиографичности, который вносил в музыку особую искренность. Так, например, многие фортепианные произведения Шумана связанны с историей его любви к Кларе Вик.

Берлиоз написал автобиографическую «Фантастическую» симфонию. Автобиографический характер своих опер всячески подчеркивал Вагнер.

С темой «лирической исповеди» очень часто переплетается тема природы.

Настоящим открытием композиторов-романтиков стала тема фантастики. Музыка впервые научилась воплощать сказочно-фантастические образы чисто музыкальными средствами.

В операх XVII – XVIII веков «неземные» персонажи (как, например, Царица ночи из моцартовской «Волшебной флейты») разговаривали на «общепринятом» музыкальном языке, мало выделяясь на фоне реальных людей.

Совет

Композиторы-романтики научились передавать фантастический мир как нечто совершенно специфическое (при помощи необычных оркестровых и гармонических красок). Яркий образец – «Сцена в волчьем ущелье» в «Волшебном стрелке» Вебера.

Если XVIII век был эпохой виртуозов-импровизаторов универсального типа, в равной мере владеющих пением, сочинением, игрой на различ­ных инструментах, то XIX век был временем время небывалого увлечения искусст­вом виртуозов пианистов (К.М. Вебер, Ф. Мендельсон, Ф. Шопен, Ф. Лист, И. Брамс).

Эпоха романтизма совершенно изменила «музыкальную географию мира».

Под влиянием активного пробуждения национального самосознания народов Европы на международную музыкальную арену выдвинулись молодые композиторские школы России, Польши, Венгрии, Чехии, Норвегии.

Композиторы этих стран, воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, опирались на интонации и ритмы родного фольклора.

В высшей степени характерен для музыкального романтизма интерес к народному творчеству. Подобно поэтам-романтикам, которые за счет фольклора обогаща­ли и обновляли литературный язык, музыканты широко обращались к национальному фольклору – народным песням, балладам, эпосу (Ф. Шуберт, Р.

Шуман, Ф. Шопен, И. Брамс, Б. Сметана, Э. Григ и др.). Воплощая образы национальной литературы, истории, родной природы, они опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возрождали старинные диатонические лады. Под влиянием фольклора содержание европейской музыки ярко преобразилось.

Новые темы и образы потребовали от романтиков разработки новых средств музыкального языка и принципов формообразования, индивидуализа­ции мелодики и внедрения речевых интонаций, расширения тембровой и гармонической палитры музыки (натуральные лады, красочные сопостав­ления мажора и минора и т. д.).

Поскольку в центре внимания романтиков уже не человечество в целом, а конкретный человек с его неповторимым чувствованием, соответственно и в средствах выражения общее все больше уступает место единичному, индивидуально своеобразному.

Источник: http://musike.ru/imk/19th-century/romanticism/music

Алексей Николаевич Верстовский

Родился 1 марта 1799 года в имении Селиверстово в Тамбовской губернии в дворянской семье. С 1808 года жил в Уфе, в 1816 – 1817 гг.

учился в Петербурге в Институте корпуса инженеров путей сообщения, частным образом занимался музыкой – по фортепиано у Даниеля Штейбельта и Джона Филда, по скрипке у Людвига Маурера, брал также уроки композиции и пения.

С ранней молодости был увлечен театром: писал и переводил либретто водевилей, участвовал в любительских спектаклях, сочинял музыку к театральным представлениям. В 1819 в петербургском Большом театре была поставлена первая опера-водевиль Верстовского «Бабушкины попугаи» по пьесе Н.И.Хмельницкого.

Обратите внимание

Всего же им была написана музыка более чем к тридцати спектаклям, в том числе к 25 операм-водевилям, оригинальным и переводным. В 1823 году переехал в Москву, в 1825 году был назначен инспектором музыки, в 1830 – инспектором репертуара Московских императорских театров. В 1833 году экстерном окончил Московский университет.

В течение почти трёх десятилетий Верстовский был директором Московских императорских театров и находился во главе всей театральной жизни Москвы, поскольку оперная и драматическая (а также балетная) труппы тогда не отделялись друг от друга.

Многочисленные служебные обязанности он совмещал с постоянной композиторской деятельностью: он создал музыку к драматическим спектаклям и водевилям, шесть опер, многочисленные вокальные произведения – романсы, баллады, кантаты и др. Все они пользовались успехом, но в историю музыки Верстовский вошел как автор одной оперы – «Аскольдова могила». Умер Алексей Николаевич 17 сентября 1862. (Даты в пересчёте на Григорианский календарь).

Ах, точно ль никогда (А.Грибоедов)

Георгий Виноградов

Вот мчится тройка удалая (Ф.Глинка)

Александр Борисов
Людмила Зыкина
Геннадий Каменный
Константин Лаптев
Валентина Левко
Павел Лисициан
Сергей Лемешев
Евгений Нестеренко
Владимир Нечаев
Евгений Райков
Лидия Русланова

Колокольчик

Вера Давыдова

Старый муж (А.Пушкин)

Вероника Борисенко
Рубина Калантарян
Галина Карева
Валентина Левко
Лидия Мясникова
Елена Образцова
Надежда Обухова
Софья Преображенская

Людмила Филатова

Чёрная шаль (А.Пушкин)

Иван Алексеев
Николай Гедда

Источник: http://rusklarom.narod.ru/verstovski.htm

Музыкальная культура романтизма: эстетика, темы, жанры и музыкальный язык

Прав был Цвейг: столь прекрасного поколения, как романтики, Европа не видела со времён Возрождения. Дивные образы мира грёз, обнажённые чувства и стремление к возвышенной духовности, – такими красками нарисована музыкальная культура романтизма.

Появление романтизма и его эстетика

В то время как в Европе вершился промышленный переворот, в сердцах европейцев крушились надежды, возложенные на Великую французскую революцию. Культ разума, провозглашённый эрой Просвещения, был низвергнут. На пьедестал взошёл культ чувств и естественного начала в человеке.

Так появился романтизм. В музыкальной культуре он просуществовал чуть больше века (1800—1910), тогда как в смежных сферах (живописи и литературе) его срок истёк на полстолетия раньше. Пожалуй, в этом «виновата» музыка – именно она была на вершине среди искусств у романтиков как наидуховнейшее и наисвободнейшее из искусств.

Впрочем, романтики, в отличие от представителей эпох античности и классицизма, не выстраивали иерархию искусств с её чётким делением на виды и жанры. Романтическая система была универсальной, виды искусств могли свободно переходить друг в друга. Идея синтеза искусств была одной из ключевых в музыкальной культуре романтизма.

Эта взаимосвязь касалась и категорий эстетики: прекрасноесоединялось с безобразным, высокое – с низменным, трагическое – с комическим. Такие переходы связывала романтическая ирония, она же отражала универсальную картину мира.

Всё, что имело отношение к прекрасному, обрело новый смысл у романтиков. Природа стала объектом поклонения, художника боготворили как высшего из смертных, а чувства превозносились над разумом.

Бездуховная реальность противопоставлялась мечте, прекрасной, но недостижимой. Романтик с помощью воображения строил свой новый, непохожий на другие реальности, мир.

Какие темы избирали художники романтизма?

Интересы романтиков ярко проявились в выборе избираемых ими тем в искусстве.

  • Тема одиночества. Недооценённый гений или одинокая личность в обществе – эти темы были основными у композиторов этой эпохи(«Любовь поэта» Шумана, «Без солнца» Мусоргского).
  • Тема «лирической исповеди». Во многих опусах композиторов-романтиков присутствует налёт автобиографичности («Карнавал» Шумана, «Фантастическая симфония» Берлиоза).
  • Тема любви. В основном это тема неразделённой или трагической любви, но не обязательно («Любовь и жизнь женщины» Шумана, «Ромео и Джульетта» Чайковского).
  • Тема пути. Её ещё называют темой странствий. Душа романтика, раздираемая противоречиями, искала свой путь(«Гарольд в Италии» Берлиоза, «Годы странствий» Листа).
  • Тема смерти. В основном это была духовная смерть (Шестая симфония Чайковского, «Зимний путь» Шуберта).
  • Тема природы. Природа в глазах романтика и оберегающая мать, и сопереживающий друг, и карающий рок («Гебриды» Мендельсона, «В Средней Азии» Бородина). С этой темой связан и культ родной земли (полонезы и баллады Шопена).
  • Тема фантастики. Воображаемый мир для романтиков был намного богаче реального («Волшебный стрелок» Вебера, «Садко» Римского-Корсакова).

Музыкальные жанры эпохи романтизма

Музыкальная культура романтизма дала толчок развитию жанрам камерной вокальной лирики: балладе («Лесной царь» Шуберта), поэме («Дева озера» Шуберта) и песням, часто объединяемым в циклы («Мирты» Шумана).

Романтическая опера отличалась не только фантастичностью сюжета, но и прочной связью слова, музыки и сценического действия. Происходит симфонизация оперы. Достаточно вспомнить «Кольцо нибелунгов» Вагнера с развитой сетью лейтмотивов.

Среди инструментальных жанров романтики выделяют фортепианную миниатюру. Чтобы передать один образ или минутное настроение, им достаточно небольшой пьесы. Несмотря на свой масштаб, пьеса бурлит экспрессией. Ею может быть «песня без слов» (как у Мендельсона), мазурка, вальс, ноктюрн или пьесы с программными названиями («Порыв» Шумана).

Важно

Как и песни, пьесы порой объединяются в циклы («Бабочки» Шумана). При этом части цикла, ярко контрастные, всегда образовывали единую композицию за счёт музыкальных связей.

Романтики любили программную музыку, соединявшую её с литературой, живописью или другими искусствами. Поэтому сюжет в их сочинениях часто управлял формой. Появлялись одночастные сонаты (си-минорная соната Листа), одночастные концерты (Первый фортепианный концерт Листа) и симфонические поэмы («Прелюды» Листа), пятичастная симфония («Фантастическая симфония» Берлиоза).

Музыкальный язык композиторов-романтиков

Синтез искусств, воспетый романтиками, повлиял на средства музыкальной выразительности. Мелодия стала более индивидуальной, чутко реагирующей на поэтику слова, а сопровождение перестало быть нейтральным и типичным по фактуре.

Гармония обогатилась невиданными красками, чтобы поведать о переживаниях героя-романтика.Так, романтические интонации томления отлично передавали альтерированные гармонии, усиливающие напряжение.

Романтики любили и эффект светотени, когда мажор сменялся одноимённым минором, и аккорды побочных ступеней, и красивые сопоставления тональностей.

Новые эффекты обнаруживались и в натуральных ладах, особенно когда требовалось передать в музыке народный дух или фантастические образы.

В целом мелодия у романтиков стремилась к непрерывности развития, отвергала любую автоматическую повторность, избегала регулярности акцентов и дышала выразительностью в каждом своём мотиве. А фактура стала настолько важным звеном, что её роль сравнима с ролью мелодии.

Послушайте, какая замечательная мазурка есть у Шопена!

Вместо заключения

Музыкальная культура романтизмана рубеже XIX и XXвеков пережила первые признаки кризиса. «Свободная» музыкальная форма начала распадаться, гармония одерживала верх над мелодией, возвышенные чувства души романтика уступили место болезненному страху и низменным страстям.

Эти разрушительные тенденции привели романтизм к концу и открыли путь модернизму. Но, завершившись как направление, романтизм продолжил жить и в музыке XX века, и в музыке века нынешнего в разных своих составляющих. Прав был Блок, говоря о том, что возникает романтизм «во все эпохи человеческой жизни».

Автор – Александра Рамм

Источник: https://music-education.ru/muzykalnaya-kultura-romantizma-e-stetika-temy-zhanry-i-muzy-kal-ny-j-yazy-k/

Сергей Рахманинов — 2-й концерт — Алексис Вайссенберг и Караян

РОМАНТИЗМ
Романтизм — говоря по простому, этонеобычная история о необычном человеке. Романтики отправляются в походы и поднимают революции. Романтик чувственен и мечтателен, героичен и честен.Романтизм делится на революционный и реакционный
Революционный романтизм говорит: «Мы». Образы — революции, борьба за свободу и независимость народов.

Революционный романтизм ищет темы в войнах и восстаниях. Революционный романтик вам знаком — это, например, Людвиг  Бетховен. Реакционный романтизм говорит: «Я». Образ — личные переживания человека, разочарованного в процессе жизни и борьбы. Реакция на негатив.

Романтизму тяжелее найти темы для своих произведений и поэтому он обращается к легендам, мистике, магии, восточным сказкам, сказкам разных народов, и т.п. Авторы романтизма  — это П.И. Чайковский, Н.А. Римский-Корсаков и др.
РОМАНТИЗМ В РУССКОЙ МУЗЫКЕ
Романтизм в русской музыке можно охарактеризовать  одним словом — «душевность».

  Вспомним русские романсы — это же романтизм  знакомый нам с детства. Самыми яркими представителями романтизма были Чайковский П.И. и Рахманинов С.В.

Серге́й Васи́льевич Рахма́нинов


 (20 марта [1 апреля] 1873[2][3], Семёново, Новгородская губерния[1] — 28 марта1943, Беверли-Хиллз, США) — русский[4][5]композитор, выдающийся пианист-виртуоз и дирижёр. Синтезировал в своём творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.
Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор». В этой краткой и неполной характеристике выражены как объективные качества стиля Рахманинова, так и место его наследия в исторической перспективе мировой музыки. Именно творчество Рахманинова выступило тем синтезирующим знаменателем, который объединил и сплавил творческие принципы московской (П.Чайковский) и петербургской композиторских школ в единый и цельный русский стиль. Тема «Россия и её судьба», генеральная для русского искусства всех видов и жанров, нашла в творчестве Рахманинова исключительно характерное и законченное воплощение. Рахманинов в этом отношении являлся  продолжателем традиции опер Мусоргского, Римского-Корсакова, симфоний Чайковского

Читайте также:  Как избежать соблазнов рекламы?

В этом концерт  Сергей Васильевичочень четко показал свое отношение к жизни. Он написал его в 1900 году, после тяжелой болезни, и выздоровление для него — это возвращение в жизнь через боль. Через 17 лет все то же случится с его родиной Россией. Революция принесет простому народу новую жизнь, по это будет тоже очень болезненно.

Совет

Другим автором реакционного романтизма будет Фредерик Шопен, с которым вы уже знакомы. Революция в его родине Польше  отразится во всей его музыке, и любовь к Польше тоже станет болезненной и выражена в музыке эмоционально сильно 

Вальс № 7

Прислушайтесь: первая фраза — серьезный вопрос, вторая фраза -легкомысленный ответ

Парень очень серьезен, а девушка нет. Затем она кружится и смеется… Нарисуйте иллюстрацию к этой музыке, если хотите или напишите стихотворение.

Источник: http://orfeymxk.ucoz.ru/index/romantizm/0-88

Русская музыка 19 века — периоды, стили, жанры, школы

Русскую музыку 19 века принято делить на два периода: до появления великого композитора М.И. Глинки, то есть, примерно до 1830-1840 годов, и после.

  • До – эпоха раннего романтизма, или «до – глинкинская»,
  • после в русской музыке наступает классический период.

Русская музыки 19 века  — «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма.

В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются М.Ю.

Лермонтов, В.Ф. Одоевский, в живописи – О.А.Кипренский и К.П. Брюллов. В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски романтизма, который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

  1. «городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
  2. запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
  3. камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора, исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

  • А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
  •  Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Начало классического периода русской музыки — М.И. Глинка

С появлением Михаила Ивановича Глинки, основоположника композиторской школы в России, в русской музыке 19 века начался настоящий подъем. Его музыкальные произведения пропитаны народными мотивами, в них присутствует тот самый Пушкинский «русский дух».

Кроме великолепных вокальных произведений и симфоний, композитор создал две оперы (одни из самых выдающихся за всю историю музыки): «Жизнь за царя» (1836) и «Руслан и Людмила»(1842). Оба этих произведения пронизаны сильнейшим патриотическим и русским началом, ведь М.И.

Глинка сам сказал:

Так, в опере «Жизнь за царя» в образе простого крестьянина Ивана Сусанина М.И. Глинка показал всю силу и мощь русского народа.

Самое главное новаторство оперы заключалось в том, что главным героем музыкального произведения стал мужик, крепостной.

Неудивительно, что великосветское общество невысоко оценило оперу, однако многие классики литературы (например, Н.В. Гоголь, А.С. Пушкин) были её настоящими поклонниками.

Обратите внимание

В эпической сказке с яркими романтическими мотивами «Руслан и Людмила» Глинка ещё дальше отошел от традиций французских и итальянских опер, поэтому и это музыкальное произведение не было встречено с восторгом. Тем не менее, именно после этих произведения русская музыка была признана во всем мире, а М.И. Глинка по праву признан основоположником музыкальной классики в России.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

  • Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
  • В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
  • Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и Чайковского).

Композиторские школы 19 века в России 

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

  •  Первая – Новая русская школа в Петербурге, позже В.В. Стасов назовет её «Могучая Кучка».

В нее входили М.А. Балакирев, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и Ц.А. Кюи. Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях.

В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства.

Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

  • Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И.

Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов «кучкистов» природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком.

Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

  • Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
  • Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

Важно

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

По этой же теме  мы приготовили кроссворд

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Источник: http://velikayakultura.ru/russkaya-muzika/russkaya-muzyika-19-veka-periodyi-stili-zhanryi-shkolyi

Музыка романтизма

Презентация «Музыкальное искусство эпохи романтизма» продолжает тему «Романтизм в европейском изобразительном искусстве», Эта запись на блоге познакомила с основными чертами стиля.

Презентация, посвящённая музыке романтизма, не только богата иллюстративным материалом, но содержит также аудио- и видео- примеры. К сожалению, услышать музыку, пройдя по ссылкам, можно только в программе PowerPoint.

Музыкальное искусство эпохи романтизма

Ни одна эпоха до XIX века не подарила миру столько талантливых композиторов и исполнителей и столько выдающихся музыкальных шедевров как эпоха романтизма. В отличие от классицизма, в основе мировоззрения которого лежит культ разума, главное в искусстве романтизма – чувство.

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, возможно выразить самые разнообразные чувства и эмоции. Поэтому именно музыка стала главным искусством в эпоху романтизма.

Кстати, термин «романтизм» по отношению к музыке впервые употребил выдающийся писатель, художник, композитор Эрнест Теодор Амадей Гофман, жизнь и судьба которого может служить ярчайшим примером судьбы романтического героя.

Музыкальные инструменты эпохи романтизма

Благодаря богатству звуковой палитры, разнообразию тембровой окраски, одним из любимейших музыкальных инструментов романтиков стало фортепьяно. В эпоху романтизма фортепьяно обогатилось новыми возможностями. Среди музыкантов-романтиков много таких как Лист, Шопен, поражающих любителей музыки виртуозным исполнением своих (и не только своих) фортепьянных произведений.

Оркестр эпохи романтизма обогатился новыми инструментами. Состав оркестра увеличился в несколько раз по сравнению с оркестром эпохи классицизма. Для того, чтобы создать фантастическую, волшебную атмосферу, композиторы использовали возможности таких инструментов, как арфа, стеклянная гармоника, челеста, глокеншпиль.

На скриншоте слайда из моей презентации видно, что к каждому изображению музыкального инструмента я добавила пример его звучания. Загрузив презентацию на свой компьютер и открыв её в программе PowerPoint, мой любознательный читатель, вы сможете насладиться звучанием этих удивительных инструментов.

Жанры в музыке романтизма

Наряду с популярными жанрами, существовавшими в предшествующую эпоху, в романтической музыке появляются новые, такие как ноктюрн, прелюдия (ставшая вполне самостоятельным произведением (вспомним восхитительные прелюдии Фредерика Шопена), баллада, экспромт, музыкальная миниатюра, песня (Франц Шуберт сочинил их около шестисот), симфоническая поэма. В этих произведениях композитор-романтик мог выразить тончайшие оттенки  душевных переживаний. Именно романтики, стремясь к конкретности музыкальных идей, пришли к созданию программных сочинений. Эти творения часто вдохновлялись произведениями литературы, живописи, скульптуры. Ярчайшим примером таких творений являются сочинения Ференца Листа, вдохновлённые образами, Данте, Микеланджело, Петрарки, Гёте.

Композиторы-романтики

Рамки «жанра» не позволяют поместить в данной записи рассказ о творчестве композиторов-романтиков. Задача моя состояла в том, чтобы дать общее представление о музыке романтизма и, если повезёт, вызвать интерес к теме и желание продолжить самостоятельное изучение музыкального искусства эпохи романтизма.

Обнаружила среди материалов Arzamas Academy то, что может быть интересно любознательному моему читателю о музыке романтизма. Рекомендую настоятельно почитать, послушать, поразмышлять!

Как всегда, предлагаю список литературы. Хочу пояснить, что список составляю, используя собственную библиотеку. Если вам покажется он не полным, дополните его сами.

Советую почитать о музыке романтизма

  •          Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство.  Часть третья. Музыка, театр, кино.– М.: Аванта+, 2001.
  •         Энциклопедический словарь юного музыканта. ‒ М.: «Педагогика», 1985.
  •         Музыкальный энциклопедический словарь. ‒ М.: «Советская энциклопедия», 1990.
  •         Великович Э.И. Музыкальные путешествия в историях и картинках. ‒ СПб.: Информационно-издательское агентство «ЛИК», 2009.
  •          Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: Учеб. Пособие для студ. сред. пед. учеб. заведений. – М.: Издательский центр «Академия», 1998.
  •          Залесская М.К. Рихард Вагнер. Запрещённый композитор. ‒ М.: Вече, 2014.
  •         Коллинз Ст. Классическая музыка от и до. ‒ М.: ФАИР_ПРЕСС, 2000.
  •          Львова Е.П., Сарабьянов Д.В., Борисова Е.А., Фомина Н.Н., Березин В.В., Кабкова Е.П., Некрасова Л.М. Мировая художественная культура. XIX век. Изобразительное искусство, музыка, театр. ‒ СПб.: Питер, 2007.
  •         Роллан Р. Жизни великих людей. ‒ М.: Известия, 1992.
  •         Сто великих композиторов / Автор-составитель Д.К. Самин. ‒ М.: Вече, 1999.
  •          Тибальди-Кьеза М. Паганини. ‒ М.: Мол. Гвардия, 1981

Удачи!

Источник: https://jauchitel.ru/muzyika-romantizma-prezentaciya-po-mhk/

Романтическая поэзия и романтическая музыка

Совершив короткую «пробежку» по столетиям, мы, наконец, попадаем в XVIII и следующий XIX в., когда сформировался и расцвел новый жанр камерновокальной музыки — романс.

 Великая французская революция совершила гигантский переворот не только в общественносоциальном строе стран Европы, но и в огромной степени повлияла на психологию, взгляды, мировозрение отдельного человека. Революция, открывшая новую эпоху в истории человечества, привела к огромному подъему духовных сил народов Европы, но и принесла разочарование в ее результатах.

Читайте также:  Как создать гармоничную семью?

Бунтарский дух и верность идеалам свободы и братства, глубокое проникновение в душевный мир человека, трагический конфликт с окружающей средой, мотивы одиночества, тоски, разочарованности, стремление к простым и чистым чувствам, к природе — все это стало предметом пристального внимания художников-романтиков, поэтов и музыкантов. И потому жанр романса, своего рода интимная исповедь, лирический монолог человека нового времени о самом сокровенном, стал одним из ведущих в искусстве романтической эпохи.

Романс (исп.) первоначально означал бытовую песню на испанском языке, позже — на языке романских стран (Франции, Италии), как ранее мадригал — песню на итальянском.

В отличие от песни народной романс — результат профессионального творчества, как бы особая, более сложная и развитая ветвь вокальной музыки, столь популярной в Европе. Он, если можно так выразиться, несет в себе по сравнению с песней более сложный генетический код.

Напомним основные типологические признаки романса, сложившегося как жанр в XIX столетии, и его основные отличия от песни.

Песня обладала и обладает поныне куплетной, строфической формой. Текст песни обычно длиннее ее напева, особенно в народных песнях, и, чтобы уложить его весь в напев, возникают повторы, куплетность, которая расцвечивается, видоизменяется припевом (другой напев).

Совет

Музыка песни, как правило, проще, чем романса, она отражает как бы общее содержание текста, его основное настроение: грусть или веселье, маршевый или плясовой характер. Песни многообразны по жанрам: лирические, трудовые, гражданские и т. д.

, и музыка их отражает одну тему или чувство в целом: любовь, счастливую или горькую, удаль, веселье, смелость, борьбу с врагом, разлуку или надежду…

Песня может быть сольной или хоровой (с запевалой), с сопровождением или без оного, но, как правило, предназначается она для большого числа людей, поющих или слушающих. Разумеется, профессиональные песни, особенно в наши дни, имеют гораздо более сложную, развернутую форму, но все же основные составляющие — запев-припев и обобщенность содержания — остаются ее главными признаками.

Романс — это, как правило, сочинение для сольного исполнения в сопровождении фортепьяно, гитары или небольшого ансамбля. В отличие от песни романс — жанр камерный и потому более индивидуализированный, личностный.

В романсе чаще выражено не столько вообще чувство или общая идея, сколько конкретное событие или конкретное чувство лирического героя, его переживание, его психологическая характеристика.

В романсе связь музыки и поэтического слова гораздо более тесная и сложная, чем в песне, музыка передает не только общий характер и настроение, но все разнообразие поэтических образов, их динамику, всю гамму чувств. Музыка чутко следует за героем стихотворения, соответствует всем изменениям, нюансам текста.

В романсе куплетная форма заменяется более сложной: чаще трехчастной, а порой — четырехпятичастной, сквозной, с различным для каждой части мелодическим рисунком, порой повторяющимся в репризе или в заключении.

Романсы можно — условно, конечно! — подразделить на такие, где музыка играет ведущую, главенствующую роль, а стихи лишь служат основой для выражения композитором всей полноты своих ощущений и мыслей.

К другой группе мы относим романсы, где текст является основным художественным и смысловым компонентом, а музыка как бы подчинена его задачам.

Обратите внимание

В иных — что бывает значительно реже — стихи и музыка адекватны друг другу, равновелики и сливаются в новом неразделимом художественном синтезе.

Романс развивался в различных направлениях — это зависело от времени, национальной его принадлежности, традиций. И теперь, исследуя этот жанр, мы сталкиваемся с огромным его разнообразием.

Романсы напевные и речитативные, бытовые и близкие к развернутым оперным формам, романсы, по характеру и складу тяготеющие к песням, и сложные монологические построения, романсы-исповеди и романсы-сценки… Влияние поэзии позволило (или заставило) композиторам уже в конце XIX в.

именовать некоторые свои романсы стихотворениями с музыкой — так называли их Гуго Вольф, С. Рахманинов и С. Танеев.

Романсы вообще, а в XX в. в особенности отличает стремление к цикличности, объединению под флагом одного поэта или нескольких в «групповой портрет» по принципу тематического единства.

Европейский романс как жанр зародился еще в XVIII в., но подлинного расцвета он достиг позже, в первой половине XIX в. в творчестве великих немецких композиторов-романтиков Шуберта и Шумана.

Однако необходимо вспомнить о песнях-романсах гиганта предыдущей классической эпохи — гениального Бетховена.

Именно в его творчестве немецкая Lied «впервые поднялась над уровнем бытового искусства и стала выразительницей разнообразных и сложных идей и чувств» (В. Конен).

Важно

Бетховен обращался к поэзии своих великих соотечественников Шиллера и Гёте и малоизвестных Геллерта и Ейтелеса.

Писал песни военные и походные: «Свободный человек», «Прощальная песня венских добровольцев», «Военная песня австрийцев», массовые, в которых слышны отзвуки недавней революции; делал обработки народных песен: уэльских, ирландских, шотландских, полных глубокой искренности и простоты, трогательной печали и светлой радости — их у Бетховена свыше полутораста.

Цикл «К далекой возлюбленной» написан Бетховеном на слова неизвестного нам поэта А. Ейтелеса. Стихи Ейтелеса полны романтической атрибутики: влюбленный юноша просит солнце, горы, облака передать его любимой привет, свою печаль и надежду.

Бетховен пишет глубоко проникновенные, полные любви и томления романсы. Мелодике каждой строфы соответствует свое музыкальное настроение, а развитие и яркий фортепьянный аккомпанемент превращают их в маленькие вокальные драмы.

Цикл Бетховена предвосхищает будущие вокальные циклы романтиков, объединенные одной темой, одним героем.

Последующее развитие романса связано с именем гениального немецкого композитора-романтика Франца Шуберта.

Любимый жанр Ф. Шуберта — песня (Lied). Его вокальное творчество теснейшим образом связано с немецкой народной песней и бытовой музыкой венского предместья, выходцем из которого и певцом которого он был. Мир «маленького человека» привлекает композитора-романтика, ему он отдает весь жар своей души.

Необычайная мелодическая выразительность песен Шуберта, их щемящая проникновенность и безыскусная простота покоряют слушателя и поныне. Лирика «простых и естественных помыслов и глубокой человечности» (Б. Асафьев) отличает вокальное творчество гениального венского романтика.

Совет

Художественный вкус Шуберта был сформирован высочайшими образцами немецкой поэзии. Творчество Гёте, Шиллера восхищало композитора с юности, им он оставался верен всю свою недолгую жизнь.

Более семидесяти песен на тексты Гёте и более пятидесяти на тексты Шиллера — убедительное тому доказательство, Писал он песни и на слова Петрарки, Шекспира, Вальтера Скотта.

Постоянными соавторами Шуберта были и его современники, немецкие поэты-романтики Клопшток, Майерхоф, Мюллер, Рюккерт, Уланд, Шлегель, Рельштаб, Гейне.

«Что за неисчерпаемое богатство мелодического изобретения! Какая роскошь фантазии!» — писал о песнях Шуберта П. И. Чайковский. Исключительный мелодический дар композитора, его неповторимые разнообразнейшие интонации по красоте не имеют себе равных.

Мы то слышим нежную кантилену, то танцевальные и маршевые мелодии, то строгую декламацию. Оригинальные, чисто «шубертовские», они в то же время теснейшим образом связаны с народной бытовой немецкой песней. И всегда или почти всегда они изобразительны.

Мы слышим «жужжание прялки» в «Маргарите за прялкой», напряженный, нервный стук копыт лошади в «Лесном царе», плеск воды в «Форели», движение мельничного колеса в песне «В путь». Высоко развитое поэтическое чутье позволило Шуберту максимально приблизить мелодическую выразительность песни к характеру поэтической речи именно немецкой поэзии.

Особое место в вокальной лирике Шуберта занимают его вокальные циклы. «Прекрасную мельничиху» на слова В. Мюллера (20 песен, ор. 25) не случайно называют «Романом в письмах». Тема любви юноши и тема дороги сплетены здесь воедино в двадцати вокальных миниатюрах.

Второй цикл, особенно знаменитый, трагический «Зимний путь» (24 песни на тексты Мюллера, ор. 89). Юноша, отвергнутый возлюбленной, отправляется в путь, в неизвестность. Ритм равномерного шага пронизывает весь цикл как безнадежная поступь обреченного человека…

Вокальное творчество Шуберта занимает в истории европейской культуры особое и очень важное место. Именно с Шуберта началась история немецкой романтической вокальной лирики и именно Шуберт открыл нам многих немецких поэтов.

Обратите внимание

Не меньшее, если не большее влияние оказала романтическая литература, в частности, поэзия, на творчество другого выдающегося немецкого композитора Роберта Шумана.

Искусство Шумана пронизано тем беспокойным, бунтарским духом, который роднит его с Байроном, Гейне, Гюго, Берлиозом, Вагнером и другими выдающимися художниками-романтиками.

Мятежные порывы и поэтическая мечтательность, исповедальность и глубокая эмоциональность, доходящая порой до экстатичности, характерны для всего творчества Шумана — вокального и инструментального.

Огромное место в жизни Шумана занимала литература. Он равно увлекался поэзией и музыкой, и постоянное соединение этих двух близких сфер искусства — одна из характернейших примет его творчества.

Любовная лирика и тонкое изображение природы, героические мотивы и бытовые сценки, скорбь и романтика свободы — все это навеяно образами поэзии, стихами любимых поэтов.

«Круг песен» на стихи Гейне, «Мирты» на тексты Гёте, Гейне, Рюккерта, Байрона, Бернса, Мура, Мозена, «Круг песен» на тексты Эйхендорфа и, наконец, два знаменитых цикла «Любовь и жизнь женщины» на стихи Шамиссо и «Любовь поэта» из «Лирического интермеццо» Гейне.

Наследие Шумана — тридцать три сборника романсов, и у него, как у Шуберта, отчетливо ощутима связь с немецким фольклором, с его интонациями, куплетной формой стиха.

Поражает постижение Шуманом характерных «примет» каждого поэта, попавшего в орбиту его интересов: будь то простодушные мечтания Шамиссо, драматичные излияния Гейне или бунтарская романтика Байрона.

Особенно примечателен цикл на стихи Гейне «Любовь поэта». Здесь поэт и композитор «словно дышали одним сердцем». От грустной исповеди, через скорбь и страдание ведут нас поэт и композитор к трагической развязке.

И лишь в эпилоге цикла звучит мотив просветления и романтической мечты.

Важно

Простотой, ясностью, даже простодушием, как и сама поэзия Шамиссо, отличается цикл «Любовь и жизнь женщины». В цикле восемь песен, связанных единой музыкальной драматургией.

Перед нами развертывается незамысловатая и трогательная история женской судьбы с ее первой любовью, стыдливой и страстной, замужеством, рождением ребенка, потерей любимого мужа…

Теснейшая связь музыки с поэтическим словом проявляется у Шумана в точном выделении стихотворных пауз, акцентов, ударений, пристальном следовании за движением поэтической мысли, ее развертыванием, кульминациями, спадами. Шуман писал, что «стремился передать мысли стихотворения почти дословно».

И наряду с этим насыщенность, многозначность фортепьянной партии. Все это создает особую, шумановскую атмосферу «скрытых психологических движений души». Стихи в воплощении композитора подчас приобретают новую глубину, новый психологический подтекст.

Каждому поэту, будь то Гейне или Байрон, Шамиссо или Мёрике, у Шумана соответствует свой круг интонаций, свой гармонический язык. Теснейшая связь с поэзией, ее структурой, формой, интонациями — огромная заслуга Шумана в развитии европейского романса XIX столетия. Эти черты романсного стиля нашли последователей в немецкой вокальной лирике среди младших его современников — Брамса, Вольфа.

Иоганнес Брамс — выдающийся немецкий композитор, сплавивший в своем искусстве немецкие, венгерские и славянские корни — создал 380 вокальных сочинений, из них 200 песен для голоса с фортепьяно, целый ряд обработок немецких народных песен. В его романсах, дуэтах, квартетах слитность вокальной партии и фортепьянного сопровождения достигает необычайной высоты и органического единства.

Романсы и песни Брамса — это удивительное сочетание народного духа с оригинальным авторским мышлением. Помимо сборника обработок, который он назвал «Немецкие народные песни для голоса с фортепиано», Брамс создает и самостоятельные, авторские песни на народные тексты.

Среди же профессиональных стихов Брамс выбирал для своих романсов те, что были по духу, содержанию близки народным песням и сказаниям. Такова его «Прекрасная Магелона» — вокальный цикл из пятнадцати романсов на слова Людвига Тика, поэта, известного не только как приверженца романтической поэзии, но и собирателя народных сказок.

Совет

Три вокальных цикла на слова Мёрике, Эйхендорфа, Гёте, «Испанская книга песен», «Итальянская книга песен» (обе на народные тексты), песни на стихи Шекспира, Байрона, Гёте, Микеланджело, других поэтов составляют ценнейшее вокальное наследие замечательного австрийского композитора Гуго Вольфа (1860—1903), чье творчество давно и высоко оценено профессионалами, но, к сожалению, не получило еще того распространения и известности среди широких кругов слушателей, которогo оно вполне достойно.

Вольф усложняет форму романсов, стремясь к максимальной точности в передаче не только духа стихотворения, но и индивидуальности каждого поэта, его почерка.

Свои циклы он не случайно называет стихотворениями (Мёрике, Эйхендорфа или Гёте). Эта традиция сохранилась до наших дней.

Пятьдесят три песни на слова Мёрике, пятьдесят одна — на слова Гёте, двадцать пять — на слова Эйхендорфа — превосходный музыкальный памятник немецким поэтам.

Итак, уже в первой половине XIX столетия в Европе сформировался, а во второй его половине занял ведущее место новый, чрезвычайно разнообразный и богатый жанр романса, поэтической основой которого были по преимуществу произведения поэтов-романтиков, во многом определившие стиль и язык вокальной лирики, ее драматически насыщенный, углубленно психологический, лирический строй. Романс занял ведущее место в музыкальной жизни самых широких слоев народа благодаря своей простоте и эмоциональности. Своим успехом и популярностью он обязан в первую очередь редкому и счастливому стечению обстоятельств (или закономерностей), когда на музыкальном небосклоне в пределах одного столетия (почти одновременно) появилось такое созвездие гениев, какими были Бетховен, Шуберт, Шуман, Брамс, Вольф, Григ, Монюшко, а в России — Глинка, Даргомыжский, Мусоргский, Бородин, Чайковский, Римский-Корсаков, Рахманинов.

Р. И. Петрушанская

Источник: https://art.sovfarfor.com/muzyka/romanticheskaya-poeziya-i-romanticheskaya-muzyka

Ссылка на основную публикацию